Quiero hablar de otro tema manido que Miyazaki y su equipo ha sabido resolver de la mejor manera posible y de la que poco se ha hablado para la importancia que tiene: la dificultad.

FromSoftware y la dificultad de sus juegos

Como digo, la dificultad en los Dark Souls, Sekiro y compañía es algo tan viejo como el primer juego de la compañía japonesa. Personalmente, creo que sí son juegos muy difíciles pero que hacen algo extremadamente complejo y es que gusten y no frustren.
Si a día de hoy juegas al primer Metroid de mi querida NES, te aseguro que apagarás la consola antes de una hora y no la tirarás por la ventana porque tiene un gran valor económico y sentimental. Sin embargo, si juegas a Bloodborne por primera vez, el primer monigote con el que te cruces probablemente te aplastará la cabeza en dos segundos. Y alucinarás y te enfadarás porque un don nadie te ha hecho morder el polvo. Pero no te frustrarás.

Los juegos de FromSoftware tienen muy bien medida la fórmula de dificultad-frustración-recompensa. Al igual que en Metroid (y juegos de la misma época, en general) te frustra porque no te recompensa lo suficiente como para paliar la frustración generada, en Bloodborne, cuando has muerto contra ese primer enemigo, has visto tu error y sabes que es un fallo tuyo, no una «trampa» del juego. La próxima vez llegarás a vértelas con ese personaje y lo vencerás. O fallarás de nuevo, pero reconocerás cuál ha sido tu error.
La magia que han conseguido los de Miyazaki es que la frustración nunca llega a hacerse con el control, porque cuando estás a punto de llegar a ella, tú ya has aprendido lo suficiente como para vencer a ese enemigo. Y la alegría que te da esa superación personal hace que el contador de frustración baje nuevamente a cero (o casi).

Pese a todo, la fórmula no es perfecta. Cuando te enfrentas a un souls nadie te enseña como se tiene que jugar, no se paran a explicarte que tienes que aprender los patrones y movimientos de tus enemigos para poder acabar con ellos. Aprendes a golpes y muertes y eso si puede resultar frustrante, al menos la primera vez que juegas, y hacerte abandonar a las primeras de cambio llevándote bajo el brazo el discurso de «estos juegos son difíciles» (que es cierto) sin ver más allá (que también es altamente satisfactorio).

La cuestión es que este debate lleva años en las redes y, a cada nuevo lanzamiento de FromSoftware, el debate renace y vuelve a llenar hilos de Twitter y posts en diferentes webs. Con Elden Ring no iba a ser menos.

El modo fácil en Elden Ring

La magia de Elden Ring es que, aunque nadie te lo dice de manera explícita (como siempre), dispone de varios niveles de dificultad que puedes elegir para afrontar tu aventura.
Cuando llegas al Necrolimbo con tu sinluz, lo primero que haces es darte de bruces contra un jefe opcional, el Centinela Agreste, que te destroza en cuestión de segundos. Puedes intentarlo todas las veces que quieras, pero siendo un simple mortal no vas a conseguir acabar con él porque no tienes que acabar con él.

Tienes todo un mundo ante ti, abierto para que vayas al primer lugar que se te ocurra, y este boss que te ha dado la bienvenida te ha dado también una lección vital: no tienes el nivel suficiente para vértelas conmigo.
En mi partida, esquivé al caballero después de que acabase conmigo unas cinco veces. Recogí el primer mapa del juego, conseguí mi montura Torrentera y me fui al castillo del Velo Tormentoso. Sudé sangre para poder avanzar y completar esa zona, pensando que esta vez si se les había ido la mano con la dificultad. Aún así, más por cabezonería que por habilidad, conseguí seguir adelante. Llegué a Liurnia y más de lo mismo: más mal que bien continúo con mi aventura hasta que Rennala me hace ver que estoy en el lugar equivocado.

Cuando este jefazo me mató por vigésima vez, caí en la lección que me había enseñado el primer caballero con el que me encontré: este no es tu lugar. Y lo que hice a continuación fue desbloquear el modo fácil de Elden Ring.

En mi camino, había dejado sin explorar zonas que estaban pensadas para recorrer mucho antes: el Necrolimbo oeste, la Península del Llanto, Liurnia Oeste… Monté en Torrentera y puse rumbo hacía estas tierras inexploradas y tengo que decir que casi me resultaron aburridas, porque tenía mucho más nivel del recomendado para pasar por allí.
Los enemigos caían como moscas y los bosses conseguía derrotarlos a la primera. Era muy sencillo. Había descubierto el truco de FromSoftware para hacerte el juego fácil: sube de nivel, tienes todo un mundo para hacerlo, y avanza cuando te sientas lo suficientemente fuerte como para seguir adelante sin dificultad o con la que tú consideres adecuada.

En juegos anteriores como el citado Bloodborne esto no era posible. El recorrido es bastante lineal si comparamos con Elden Ring y no puedes desviarte para farmear runas que te permitan hacer a tu personaje más fuerte. En las Tierras Intermedias puedes ir a donde quieras y subir tus estadísticas hasta que te sientas cómodo.

Elden Ring: modo fácil, normal o difícil

Claro, también puedes pensar que vaya coñazo tener que estar matando a enemigos simplones para volverte más fuerte y que el juego te sea más fácil. Oye, pues Elden Ring te da otro selector de dificultad.
En el enfrentamiento contra el primer jefe del juego, Margit, veía que tal y como estaba afrontando el combate no podía hacerle frente. Cruzaba la niebla amarilla, le daba un par de golpes, rodaba y rodaba por todas partes, para acabar muriendo después de dos estacazos.
Entré en el inventario a ver si disponía de armas mejores o alguna solución. Me paré a investigar bien el tema de las cenizas de invocación, cosa que no había hecho hasta ahora.
Asigné las Cenizas de lobo solitario a uno de los accesos rápidos y en el siguiente intento contra Margit invoqué a los tres lobos (aunque lo llamen «solitario», vienen de tres en tres). Ahora era mucho más asequible.

Ya así, habiendo activado un nivel de dificultad más bajo, era mucho más fácil acabar con él y podría haberlo hecho, pero no tuve paciencia. Después de dos o tres intentos fallidos me paré frente a la niebla e hice uso de las runas que había en el lado derecho que te permiten invocar a un cooperante, en este caso al Hechicero Roger, una suerte de espíritu que luchará a tu lado contra el jefe de turno.
A la primera. Mis escasas habilidades + las cenizas + el cooperante = nivel muy fácil. Había pasado de darle dos espadazos a Margit a acabar con él en el primer intento.

Es decir, para acabar con el jefe de esta zona disponía de varias opciones. O seguía intentando el milagro de acabar con él con mi nivel insuficiente, o volvía atrás a subir estadísticas para estar a la altura, o pedía las diferentes ayudas que Elden Ring pone a tu disposición para que no te atasques más de la cuenta.

Lo sé, esto sigue sin ser un clásico selector al comenzar el juego, pero este es el camino que tiene FromSoftware para darte diferentes opciones para que puedas hacer frente a Elden Ring sin que desesperes. 
Miyazaki no va a darte a elegir nunca entre fácil, normal y difícil. Este estudio lo que va a hacer en enseñarte diferentes modos de acercarte al juego de manera que siga siendo un desafío, pero uno que se adapte a tus habilidades y a tu paciencia. Integrar todo en las propias mecánicas de Elden Ring me parece increíblemente sencillo y complejo a partes iguales.
Le han dado a los jugadores lo que llevaban años pidiendo, pero siendo fieles a su filosofía. Sus juegos siempre serán complicados, pero se han sabido adaptar y poner al alcance de la mano un modo fácil. A la manera FromSoftware, por supuesto.

En estos últimos días he visto dos películas de las que se van perfilando para llevarse varias nominaciones. Una de ellas es Anora, la cinta dramática-romantica del director de The Florida Project (una maravilla), que me pareció fantástica y muy recomendable, aunque está lejos de ser una ganadora de estatuilla a la mejor película del año.
La otra es de la que voy a escribir estas pocas líneas y que me es difícil de catalogar: The Substance, una sátira-gore, con una media hora de cine de serie B llena de excesos.

The Substance, comenzando con buen pie

La premisa de la película es sencilla: Elisabeth Sparkle es una estrella de Hollywood que ya pasó sus años dorados y, ahora que ronda las cincuenta primaveras, ve como su fama se va apagando y la industria la va dejando de lado buscando sangre fresca. Ella, interpretada por una Demi Moore que ya se ha llevado premios menores en los últimos meses por su papel, se pone en contacto con alguien que le promete disfrutar de una nueva juventud desdoblándose de manera literal, pero con unas reglas muy estrictas que cumplir para que todo funcione bien (tienen que hacer cambio cada siete días, sin excepción, ya que no pueden coexistir las dos a la vez).
Su joven alter ego, Sue, rol a cargo de la maravillosa Margaret Qualley, siente ese estrellato, esa fama y esos focos que ya había perdido y poco a poco va rompiendo las reglas y robándole un tiempo a Sparkle que le acarreará consecuencias en su físico.

Al final, The Substance es un mensaje potente a la par que sencillo (juventud, belleza, físico y fama), con dos actrices que pueden encarnar a la perfección lo que quieren contar por sus respectivas historias dentro de la industria y los momentos actuales de sus carreras.
Toda esta premisa está rodada y llevada a cabo de una forma magistral, con un toque mitad tecno, mitad capítulo de Black Mirror.

La música te taladra el cerebro y se queda ahí durante días; la fotografía, con esos planos cercanos, esos colores tan vivos y el uso de la cámara lenta te hipnotiza (más allá de culos y tetas, que hay para aburrir), las actuaciones de todos los personajes es fantástica… La mejor muestra de todo esto son los primeros minutos cuando nos presentan al director del programa con un plano fijo en un cuarto de baño. Esa escena, si le añadiésemos sangre a raudales, sería un ejemplo perfecto de lo que nos va a dar la película.

La sustancia que hizo volar todo por los aires

La película dura unas dos horas y veinte minutos. Podríamos decir que los primeros cien minutos de The Substance son perfectos en forma y fondo y encajan en la definición (si es que existe) de sátira-gore. Es una gran película, muy buena candidata a los Oscar en varias categorías hasta la escena en la que el personaje de Demi Moore se arrepiente de algo que está haciendo (no quiero entrar demasiado en spoilers) y la directora pierde completamente la cabeza y comienzan 30 minutos de un espectáculo lamentable, lleno de excesos y en el que no pude cerrar la boca ni un solo instante, ya fuese porque no podía dar crédito de lo que estaba viendo o bien porque estaba riendo a carcajadas.

En ese preciso momento de la cinta, comenté en tono jocoso «ahora comienza un combate de karate a muerte» y solo diré que no iba muy desencaminado. Y eso era solo el principio.
Esa última media hora es un manual detallado de como tirar por los aires un gran trabajo, una película que podría aspirar a todo en la gala más famosa del mundo del cine y que prefiere dejarse llevar por la locura y abusar del gore, del absurdo y del peor cine de serie B. Parece el resultado de una noche de sustancias de fiesta en la que alguien dijo «¿a que no hay huevos?» y otro contestó «¿que no? Sujétame el cubata».

En definitiva, pensar en The Substance es recordar casos como Prison Break, que tiene una primera temporada increíble y luego se diluye hasta acabar dando vergüenza ajena.
Esta película lo tenía todo para ser una de las mejores del año y termina siendo una parodia de cine gore y serie B. Pese a todo, Margaret Qualley, Demi Moore y el guión pueden optar a estatuilla. Además, recomiendo verla y que cada uno haga el juego/ejercicio de imaginar qué cierre le habría puesto a la historia.

OJO SPOILER – Yo habría hecho que Sue matase a Elizabeth cuando la despierta y que hubiese ido a la televisión, mientras poco a poco empieza a sangrar y se empieza a deshacer hasta que termina muriendo en directo, marcando un record de audiencia. Al final, el final de los personajes es el mismo, con la diferencia de que yo no estaba borracho cuando lo pensé.

En los primeros minutos del primer capítulo ves aparecer a Jorge Ponce (la mente detrás del documental), Andreu Buenafuente, Joaquín Reyes y otras celebridades de la televisión y el cine español, relatando como Antonio Medina, un hombre de mediana edad, calvete y con barba, se ha acercado a ellos en algún momento de sus vidas, intentando hacerles recordar que han trabajado juntos en algún proyecto, que él era cámara y que la vida no le ha ido del todo bien, sobre todo a raíz de una desgracia random que le ocurrió a su hija. Se despide de ellos para, pocos segundos después, darse la vuelta y pedirles si pueden echarle una mano con algo de efectivo, argumentando alguna excusa inventada en el momento.

La verdad es que la cosa inicia bien, tiene buena pinta. El problema es que no sabes cómo una historia así puede estirarse durante los cinco capítulos que forman esta serie, pero rápidamente comienzas a descubrirlo.

A la caza de Antonio Medina, ¿o quizás no?

Jorge Ponce nos presenta el HUB, la oficina que van a utilizar como centro neurálgico para las operaciones de investigación que llevarán a cabo para encontrar a Antonio Medina, el estafador. Ya aquí comienzas a plantearte qué cojones estás viendo: revistas pixeladas por una excusa absurda, dos personas del equipo con la cara oculta por una historia (y una explicación) demasiado chistosa, una criptomoneda gigante como decoración de la oficina…

Esto da paso al inicio de la investigación propiamente dicha. Una búsqueda y captura de Medina que, poco a poco, va quedando en segundo plano y termina sepultada bajo una buena cantidad de subtramas que, durante los cinco episodios del documental, nos transportan al humor más disparatado de un Jorge Ponce en su salsa. Detectives que te estafan, la obtención de la distinción de una producción «verde», las disputas con Ángela (directora de producción) por el coste de la grabación… Cualquier cosa vale para arrancarte las carcajadas. Incluso la aparición del fantástico Juan Muñoz que, para mí, tiene el momento más divertido de toda la serie.

Pero entonces, ¿qué hay de true crime en todo esto? Pues después de haber visto los créditos finales, todavía no lo tengo claro. Es parte del encanto de la serie: moverse en esa línea en la que no logras distinguir qué es cierto y qué es simplemente un producto cómico.
Que existe un Antonio Medina y que hizo esa estafa a famosos parece ser que es verdad. Existen los tweets de Carlos Jean, existen las noticias en los periódicos y existen, entre otras cosas, testimonios que no están recogidos, como la experiencia que Antoni Daimiel contó en el programa de YouTube Colgados del Aro.

¿Es verdad la historia de Antonio Medina?

¿Realmente existió la búsqueda de este personaje? Ahí ya no hay ninguna certeza. La serie te muestra (más o menos) a un Antonio Medina. Jorge Ponce se sienta a hablar con él y mantienen una conversación nuevamente absurda a niveles de Faemino y Cansado.

Pero la realidad es que no importa si lo que has visto es más o menos real. Lo que has visto es uno de los primeros (si no el primero) documentales absurdos: han cogido una premisa real y la han retorcido para darte unas tres horas de humor disparatado, donde sólo importa pasarlo bien y dejarse llevar.

Como dice el propio Ponce al final del documental: todo es verdad y mentira a la vez.

Me reenganché a mitad de la generación de Xbox 360. Me reencontré con esta pasión y, desde entonces, he sido bastante fiel a Microsoft y sus consolas. Pasé por Xbox 360 S cuando apareció el circulo de la muerte en mi vieja 360 y después aterricé en Xbox One S. Por aquellos entonces ya me hice también con una PlayStation 4 y empecé a coleccionar videojuegos de una manera más «seria». Luego llegó Switch.
Y cuando se anunció la nueva generación, tenía claro que mi primera parada sería PlayStation 5. No porque no me gustara Xbox, sino porque Series X no tenía nada en su catálogo que me atrajera lo suficiente, salvo por un título: Starfield.

Starfield como punta de lanza de Xbox

El nuevo título de Bethesda, la flamante y reciente adquisición de los de Vermont, prometía ser el primer gran estandarte de Microsoft para esta generación, un juego que justificaría la compra de la consola. Pero, aunque su premisa era increíble y las expectativas estaban por las nubes, no me convencía lo suficiente para dar el salto. Sin embargo, a principios de 2024, con el panorama mejorando para Xbox, me encontré con una oferta irresistible: una Xbox Series X junto con Starfield a un precio inmejorable. Así que, decidí darle una oportunidad.

Starfield empieza de manera prometedora. El editor de personajes es profundo, y el tutorial está bien integrado en la narrativa. Las primeras misiones principales te sumergen en el universo, y todo parece funcionar a la perfección. Sin embargo, la ilusión empieza a desmoronarse rápidamente.

A medida que avanzas en la historia principal, las misiones empiezan a repetirse: ve a una base, elimina a los enemigos, recoge un artefacto con el mismo puzzle de lucecitas una y otra vez, llévalo a tu central y vuelta a empezar. La monotonía de estas tareas no sería tan grave si los planetas que visitas fueran interesantes o diversos, pero no lo son. Después de explorar un par de ellos, queda claro que hay poca variedad. Lo que debería ser una exploración emocionante del espacio se convierte en una rutina tediosa.

Afortunadamente, no todo es negativo en la primera mitad de Starfield, hay puntos muy brillantes. Las líneas argumentales de las facciones son mucho más interesantes que la trama principal. Hay más variedad e historias detrás que te atrapan y te hacen seguir avanzando. Tienes varías horas de diversión aseguradas.
También están todas las misiones secundarias que prácticamente se activan caminando por las pocas ciudades que hay: oyes una conversación entre dos NPCs y ya tienes algo nuevo para hacer. Aunque pueden saturar tu mapa con iconos y listas de tareas, estas misiones adicionales ofrecen distracciones interesantes.

¿Qué falla en Starfield?

Entre misiones principales, secundarias e investigación random que puedes llevar a cabo, seguramente te juntas con un montón de materiales para crear tus propias armas y trajes espaciales pero, ¿sabes qué? Da completamente igual.

Sí, no importa lo más mínimo todo tu inventario porque las propias armas y trajes que obtienes como recompensa o saqueando a los tipos que acabas de abatir son mucho mejores que lo que puedes construir por tus propios medios. Además, el camino que te lleva hasta desbloquear la opción de crear armamento (si, se desbloquea como una habilidad más) te quita las ganas de querer llegar a ese punto. Son varios puntos de habilidad a consumir y varios retos que superar para abrir el camino a los niveles necesarios dentro del árbol de habilidades.

Así que te encuentras explorando planetas vacíos que no aportan nada, recolectando materiales que solo te harán pelearte con los kilos que puedes cargar e intentando construir un equipo que nunca será tan bueno como el que obtienes como botín. Estos problemas no son cuestiones que Starfield pueda arreglar con parches; son defectos fundamentales en el diseño del juego, en su concepción inicial. Y eso sin entrar en el tedioso sistema de viaje por la galaxia, del que ya se ha escrito demasiado.

Dicho todo esto, al César lo que es del César: Starfield mejora significativamente en su segunda mitad.
Aunque los problemas mencionados persisten, la historia principal se despereza pasado el ecuador, finalmente coge ritmo y te da las horas más divertidas del título y te lleva hacia un desenlace muy particular que da paso al gran punto fuerte del juego: el New Game+. Puede sonar extraño decir que la mejor parte de un juego es lo que sucede después de terminarlo, pero en el caso de Starfield, es cierto. El New Game+ está tan bien hilado y te ofrece tantas mejoras a todos los niveles, que la primera vez que lo juegues recomiendo ir casi en exclusiva a por la historia principal.

Xbox, ¿a qué estás jugando?

Starfield no es un mal juego, pero tampoco es el gran título que se esperaba. Hay una escala de grises entre medias, que parece olvidada en los videojuegos, que es donde se situaría.
Yo pese a todo, pese a querer abandonarlo varias veces, me terminé divirtiendo, pero tienes que hacer la vista gorda con demasiadas cosas.
Bethesda y Microsoft lo presentaron como el nuevo buque insignia de Xbox, un título que marcaría el inicio de la generación y todo un vende-consolas, pero no ha alcanzado ese nivel. Y eso es una mala noticia tanto para Bethesda como para Xbox, porque la plataforma sigue adoleciendo de falta de exclusivos que realmente justifiquen su compra.

Si echamos la vista atrás, la división de Xbox da la sensación de que va dando bandazos intentando encontrar un rumbo que se les resiste y tomando decisiones más que cuestionables cuando parece que pueden acercarse a un camino tranquilo.

Todavía escuece la cancelación de un Scalebound que tenía una pinta increíble. Y ni hablamos del cierre de Tango Gameworks, los creadores del exitoso Hi-Fi Rush que encadenó dos tweets de manera surrealista en menos de una semana: «gracias por todo el reconocimiento y este premio tan guapo» y «nos han echado el cierre, hasta la vista».
Son movimientos que duelen y cuesta entenderlos porque Xbox está falta de exclusivos (aquí un fiel defensor de las exclusividades por plataforma) y Scalebound podía haber sido un revulsivo en ese aspecto. Y porque ellos mismos quieren títulos doble A que cuesten poco y ganen premios y alabanzas de la crítica como ¡oh, sorpresa!: Hi-Fi Rush.
Mientras tiran esas ocasiones por la borda, han apostado a un Starfield que tenía papeletas para ser un nuevo estandarte y se ha quedado al borde del chasco absoluto.
Todo esto, lanzamiento y vida de Starfield mediante, plantea incertidumbre en el futuro de Xbox.

Las exclusividades que están por llegar no serán tan exclusivas, al menos a largo plazo, si nos atenemos a lo ocurrido con Indiana Jones. De primeras era uno de los títulos intocables en lo que a exclusividad se refería y en su última aparición confirmó su llegada a PlayStation 5. Y que no nos engañen los números que haga este título cuando salga, porque pase lo que pase lleva en el título una gran marca que venderá  por si sola.
Si ampliamos la vista, atrás quedó Hellblade 2 (en números, otro chasco, y no hablo del tema versiones físicas de los juegos actuales); Avowed está por ver qué tal saldrá; Fable o S.T.A.L.K.E.R. 2 son juegos más de nicho… Nos quedan los de siempre: Forza, Halo y Gears of War. Innovación al poder.

¿Nos lo jugamos todo a la carta del Game Pass? Mala pinta tiene, porque las cifras que querían alcanzar y las que tienen actualmente están bastante lejos una de otra. Hay que considerar también la relativamente reciente subida de precios, porque eso es un agujero negro de dinero y de alguna manera se tiene que amortizar.
Además, resulta un sistema contraproducente ya que canibaliza los números de venta de los exclusivos de Microsoft al estar prácticamente todos disponibles de día 1 en la plataforma.

Puede que todo pase por convertir la marca Xbox en un simple creador de software y olvidarse de las videoconsolas. Personalmente, es la lectura que hago de las últimas declaraciones que ha ido haciendo Phill Spencer en los medios. Centrar los esfuerzos en XCloud, el servicio de juego en la nube, y prescindir del hardware, que da más penas que alegrias.

Sea como sea, habrá que estar atentos y seguir disfrutando de todo lo que puedan darnos el equipo de Microsoft, Bethesda y compañía.

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De esta tenía muy poquitas referencias. Como digo, sé que había pillado algún premio en uno de los festivales de cine y quien era el protagonista, pero poco más. Y me he llevado un par de sorpresas.

El racismo, las voces y los acentos

Uno de mis descubrimientos de este pasado año 2023 fue el podcast No hay negros en el Tibet. Lo descubrí por casualidad, por un pequeño fragmento de video de uno de sus programas que me apareció en mi timeline de Twitter (ahora X). En este video aparecían tres personas negras, los tres presentadores, y uno de ellos, el rapero Frank T, comentaba algo de un anuncio en un periódico en el que decían «se buscan voces negras». A raíz de eso, él comentaba a sus compañeros Asaari Bibang y Lamine Thior como la gente que solo le ha escuchado sin verle se pensaban, por su voz, que era un señor tipo Iñaki Gabilondo y luego, cuando le conocían en persona, se sorprendían. Añadía además que qué coj*nes es una voz negra, que cuál es la diferencia de una voz negra y una voz blanca.
Me llamó mucho la atención ese corte. Busqué el podcast en Spotify y me tragué todos los programas en poco más de un mes.

Ese fragmento, ese pequeño video en Twitter me hizo recordar una película regulera que parte de una gran idea que se llama Sorry to bother you (Perdona que te moleste, en su traducción en España). Esta peli habla de un vendedor telefónico negro, Lakeith Stanfield, que viendo que no vende ni agua en el desierto, decide cambiar su acento natural por un acento de blanco y, así, comienza a vender seguros (o lo que vendiese) como pan caliente.
Sé que es diferente la premisa de la película respecto a lo que comentaban en No hay negros en el Tibet, puesto que en Sorry to bother you se trata únicamente el tema del acento, que en el inglés americano tiene una gran diferencia entre blancos y negros. Nada biológico, simplemente acento. Pero la conexión existe.

En todos los episodios del podcast, he aprendido muchísimo escuchando a su trio protagonista. Hablan mucho de lo distorsionada que está la visión de las personas blancas respecto a lo que tienen que vivir las personas negras en una sociedad blanca en su día a día.
El tema de la voz es un ejemplo claro. El simple hecho de decir «busco una voz negra» a día de hoy me parece surrealista. Como dice especialmente Lamine, me he deconstruido muchísimo y ahora creo que soy capaz de notar este tipo de situaciones.
Siguiendo con las voces, lo comenta en el mismo capítulo Asaari: «yo he llamado para ver un piso y hasta me han dado cita. Luego he llegado allí y ya nada, pero la cita me la dan».

Los blancos hemos «aprendido» que los negros tienen una voz diferente, que el acento que tienen los africanos hablando en castellano es una «voz negra» y no hay nada más distante de la realidad. Sorry to bother you coge ese hilo de los acentos de colores y lo lleva a la comedia más absurda, pero el tinte racista sigue ahí.

La cuestión es, ¿pero esto no va de American Fiction? Efectivamente y sí.

American Fiction y el racismo

Para quien no haya visto American Fiction y ande desubicado, esta nos cuenta la historia de un escritor negro (Jeffrey Wright) que está un poco cansado de que sus trabajos no tengan una gran repercusión, de echo que ni tan siquiera se lo compren las editoriales, mientras que novelas más populistas se lleven todos los focos. Fruto de esta frustración, una noche de whiskey y creatividad decide parir un libro bajo un seudónimo, a modo de broma y crítica, en el que plasma todos los estereotipos existentes de la sociedad afroamericana. Para su sorpresa, a las editoriales les ha flipado el libro y le ofrecen todo lo que pida y más.

Él, lejos de parar su peculiar broma, decide seguirles el juego y caricaturizar a su álter-ego hasta límites insospechados y tensar la cuerda a ver hasta donde están dispuestos a llegar los blancos.

En cierto momento de la película, dice algo así como «el libro (y el autor) tiene todo lo que los blancos quieren de los negros«. Esta fue la frase que me hizo cambiar el chip con el que estaba viendo American Fiction. Ese fue el punto en el que Jeffrey Wright se entrelazó en mi cabeza con Lakeith Stanfield y el trío de No hay negros en el Tíbet.

La candidata al Óscar es la versión tragicómica y, porque no decirlo, bien hecha de Sorry to bother you. Coge el argumento de «lo que los blancos esperan/creen saber de los negros» y lo lleva a una crítica fantástica que no tiene desperdicio.
Estoy seguro de que Frank, Asaari y Lamine le dedicarán mucho tiempo a esta cinta porque es un resumen de dos horas de lo que ellos llevan hablando tres temporadas: lo que el blanco piensa no tiene porque ser realista, es más, probablemente sea bastante racista.

La película de Jeffrey Wright corre el peligro de quedarse en la superficie más cómica de la situación (las llamadas con la editorial son realmente cómicas), pero el trasfondo crítico y social es evidente y da para reflexionar mucho. Al igual que nos hemos acostumbrado a que la expresión «una voz negra» pase como algo normal, estamos habituados a mil estereotipos de los afroamericanos que Hollywood nos ha metido con calzador en todas sus películas y que, si no vemos eso a lo que estamos acostumbrados, no nos parece realista. Y nosotros, desde nuestra perspectiva blanca, lo calificamos como irreal, demasiado inventado y mil calificativos más que solo son correctos desde nuestro prisma, pero nos olvidamos de que la realidad negra puede ser muy diferente a la nuestra y que el cine es solo cine. A veces reflejo de una realidad, a veces puramente ficticio.

Si bien medio-citaba antes la frase que me hizo cambiar el chip, la que definitivamente hizo que se me cayesen los huevos al suelo me diera la risa nerviosa, a medio camino entre qué maravilla y qué vergüenza ajena, y con la que quiero cerrar este texto, es una escena en la que se plantea que hay que tomar una decisión por votación entre unos personajes blancos y negros. Cuando se llega a la conclusión de que los blancos se llevan el gato al agua, puesto que son mayoría respecto a los afroamericanos que votan, uno de los ganadores dice la frase que, tomándola con ironía, define toda la película: «En este momento es crucial escuchar las voces negras».

PUEDES VER AMERICAN FICTION EN PRIME VIDEO

La verdad es que no soy capaz de recordar cómo llegué a esta serie. En algún sitio hoy hablar de ella y la añadí a la cabeza de la lista infinita de series pendientes que tengo para ver. Y si estaba arriba del todo del listado, es porque debí escuchar cosas fantásticas de la serie.
Después de ver la mitad de la serie, puedo decir que con razón.

Como decía, es un cuento mil veces visto: un atraco a un banco en el que los atracadores, que lo tienen todo muy bien pensado, toman unos cuantos rehenes y se atrincheran a ver cómo avanza el asunto. Pero tiene dos cosas que la hacen única y realmente especial.

De Dag, una verdadera joya oculta

La primera es el modo en que tienen de plantear la historia y los capítulos. Nosotros, los espectadores, empezaremos siguiendo a la policía, concretamente al equipo de negociadores del cuerpo: Ibrahim, Vos y Roeland. Serán los primeros personajes que conozcamos y a los que más seguiremos durante el atraco. Además, veremos en primera instancia lo que ellos vean, iremos siempre a su ritmo. Me explico.

En el primer capítulo de la temporada conocemos a los tres personajes mencionados, nos enteramos de que hay un atraco en marcha con toma de rehenes y vemos todo el despliegue policial. No sabemos qué ocurre dentro del banco, quienes son los atracadores o los secuestrados. Nada. Sabemos únicamente lo que sabe la policía y quienes son los buenos.
Ya en el segundo episodio la trama cambia de prisma y nos presentan lo mismo que ya habíamos visto del robo pero desde el otro lado: quién hay dentro y de dónde han salido, quienes son los malos y qué está ocurriendo en el interior del banco.
Es decir, los capítulos en De Dag se presentan por parejas: primero los buenos, luego los malos. Primero lo que ocurre fuera del banco, después lo que hacen dentro. Siempre en la misma línea temporal.

Esta manera de ir contando la historia juega a favor de los creadores para crear puntos de interés y cliffhangers, ya que tú desde el sofá de casa no juegas con ventaja ya que no irás por delante de la policía, no sabes qué se enfrentan. Cuando te muestran el interior del banco te dan alguna pista, lo justo para tenerte enganchado para el próximo episodio y hacer algunas cábalas, pero no avanzarás mucho más que los negociadores que esperan fuera.

El otro punto innovador que tiene la serie y la hace especial es su origen, pues se trata de una serie belga. Dime, así de memoria, ¿cuántas series o películas belgas conoces? ¿Tres o cuatro, siendo generosos? ¿A que te sobran dedos en la mano para contar?
Es maravilloso poder ver un contenido en el que no estás un rato pensando dónde c*** habías visto antes a esa actriz o actor, porque te suena la cara pero tu memoria es la que es y no consigues situarlo.

Es un nuevo ejemplo de una producción made in europe fantástica. La Casa de Papel (que utilizaba como ejemplo) partía de la misma base: un producto sencillo basado en un puzzle muy inteligente que ir desgranando poco a poco y que atrapa al telespectador desde el minuto cero, sin necesidad de contar con actores de renombre (no, al Profesor no lo conocían ni en su casa) ni sensación de que detrás haya ingentes cantidades de dinero.
Donde fallaba la serie española y acierta de pleno De Dag es que aquí no sobra nada: ni personajes, ni historias de relleno, ni españoladas… Nada, está todo en su justa medida.

Como decía al inicio, sólo llevo media temporada, pero no creo que pase del fin de semana que haga una maratón y termine con los 6 capítulos restantes. De echo, ¡todavía no sé porque he parado a escribir esto teniendo episodios en la recamara!

PD: Lamentablemente, en España creo que no lo emite ninguna plataforma. Pero seguro que todo el mundo encuentra la manera para poder disfrutarla.

Apple TV+ y su gran catálogo

Ya lo comentaba en la entrada de Fundación, una de las grandes apuestas de la plataforma, que están cuidando mucho sus producciones y están haciendo pocas cosas, pero de bastante calidad, sobre todo en el plano visual (la fotografía, uso de colores, etc.).
Como digo, en estos meses por la patilla, he podido descubrir la ya nombrada Fundación, Ted Lasso, Pachinko, Becoming You… Todos, en mayor o menor medida, muy recomendables.

Es un caso completamente opuesto a Netflix. Los de las cancelaciones la gran N roja apuestan por un modelo donde premia la cantidad por encima de la calidad. La ley de los grandes números. Es más fácil pegar un pelotazo si produzco 100 series/documentales/películas que si produzco 10. Los de la manzana, sin embargo, van por el camino contrario: voy a invertir el dinero únicamente en 10 producciones, pero voy a asegurarme de que cada una de ellas merezca totalmente la pena.

No defiendo ni uno ni otro modelo. Ambos me parecen correctos, justos y complementarios. Pero en caso de elegir, a día de hoy la balanza estaría más equilibrada de lo que hubiese pensado cuando se anunció Apple TV+.

Black Bird, la nueva joya

¿Y por qué hablar ahora de todo esto? Pues porque he terminado de ver una de las últimas piezas del catálogo: Black Bird (Encerrado con el diablo en español).
Se trata de una miniserie de 6 episodios de más o menos una hora cada uno en la que nos cuentan la historia real de James Keene, un hombre que fue a la cárcel por delitos «menores» y que tuvo la opción de quitarse de golpe toda la pena de prisión si conseguía hacer confesar a Larry Hall, a la espera de juicio para otorgarle una condena en firme, donde enterró los cuerpos. 

Igual que Ted Lasso o Fundación han tenido una gran promoción detrás y han sido reconocidos con nominaciones y premios, Black Bird ha pasado un poco de puntillas y no se ha oido hablar mucho de ella, pese a que me parece otra pequeña joya. Otro de esos productos que engordan el catálogo y que dan más motivos para pagar una suscripción a Apple TV+. No es una serie de matrícula de honor, pero si de notable alto; de las que suben la media global al final de las cuentas.

Y llega a esta buena nota por dos motivos: el primero es su premisa y la historia que hay detrás, que a mi me pareció increíble y fue la razón por la que le seguí la pista. Pero sobre todo, lo que hace que estemos ante una gran miniserie son sus dos actores protagonistas.
Taron Egerton tiene el papel de guaperas, de chico con labia, del que consigue todo lo que se propone. Y le va que ni pintado. Lo borda. De echo, ¿vino antes el actor o el personaje? Estamos ante una inspiración en una historia real, por lo que no sé como de acertado será el personaje con el verdadero James Keene.

Pero es que luego tenemos a un (para mí, desconocido) Paul Walter Hauser que hace un increíble papelón como el sociópata Larry Hall. Más allá del parecido físico y la caracterización, Paul hace un cambio total de su voz, de su cadencia al hablar y de la entonación, para entrar completamente en el rol de Hall y elevar la calidad de cada escena en la que aparece.
El trabajo del actor es fantástico y hace que resulte muy incómodo verle en pantalla. Además, consigue transmitir una duda, un pequeño resquicio que te hace plantearte si realmente se trata de un asesino o de un pobre desgraciado con afán de protagonismo.

Solo por ellos dos, ya merece la pena ver la serie. Pero es que ahí no queda la cosa: Ray Liotta tiene un papel secundario como padre de Keene, en el que es su último trabajo y la parte policial corre a cargo de Greg Kinnear (el padre en la genial Little Miss Sunshine) y una (nuevamente, desconocida) Sepideh Moafi, que sostienen la serie siempre que no tenemos a Egerton y Paul Walter en pantalla.

En resumen, más madera para una Apple que está consiguiendo tener un catálogo envidiable y por el que merece la pena pagar una suscripción a TV+. En este caso, Black Bird (Encerrado con el diablo) es una pequeña serie que te ventilas en un fin de semana que triunfa porque con esa historia y esos actores sería difícil que el resultado fuese diferente.

Beyond the infinite two minutes, exprimiendo los loops temporales

Beyond the infinite two minutes (Más allá de los dos minutos infinitos en España) es una maravilla en todos los aspectos. Para situarnos un poco, se trata de la ópera prima de Junta Yamaguchi, un director japonés al que habrá que seguir de cerca a ver con qué nos sorprende en el futuro. En ella nos plantean una premisa un tanto absurda: el protagonista, desde su ordenador, es capaz de ver dos minutos en el futuro a través de otra pantalla que hay en la cafetería debajo de su casa.
Pues bien, con algo tan simple como esto, Yamaguchi y Makoto Ueda (guionista) han creado una película de culto internacional, montando una historia, comprimida en tan solo setenta minutos, divertida y construida prácticamente sin ninguna fisura. Los bucles temporales que se crean empiezan como algo inocente y casi infantil, para ir desarrollando una trama relativamente compleja y con un trasfondo filosófico bastante importante.

Y, aunque a simple vista pueda parecer algo experimental y casi en algunos momentos amateur (los actores son histriónicos y exagerados como solo los países asiáticos saben hacerlo, pero hablamos de una pequeña compañía de teatro que realizó el rodaje en «solo» 7 días), la verdad es que detrás hay varios aspectos técnicos muy interesantes.
El primero de todos, como comentaba, es el guión. Quitando el tema de la longitud de los cables (cuando veáis avanzar la película lo entenderéis), todo encaja como un guante. Los tiempos están cronometrados, el bucle temporal está perfectamente montado y medido, las explicaciones (siempre absurdas) te sitúan muy bien en tu línea temporal… Es difícil, cuando se habla de espacio-tiempo, no meter la pata y salir por donde no toca, pero en este caso lo vemos incluso en las escenas post-créditos que tienen todo bajo control con gráficos y multitud de esquemas.
Otra de las cosas que siempre me gusta en estos guiones es lo que en cine/escritura se llama la pistola de Cechov. Este escritor, Anton Cechov, decía que si en una historia aparecía una pistola, esta tenía que usarse en algún momento (en el cine, simplemente cambiemos historia por plano). Y el director japonés hace uso de esta técnica tan famosa de una manera, como siempre, particular. De cierta manera, me recordó a Black Phone.

Otro de los aspectos que siempre quedan muy resultones y que hace que gane puntos, es el uso del plano secuencia. Y aquí tengo mis dudas, porque viendo Beyond the infinite two minutes pensaba que se trataría de un falso plano secuencia, pero haciendo un poco de búsqueda a posteriori parece ser que falso mis cojones de falso no tiene nada y está todo grabado en una única toma, aunque las versiones son contradictorias. En cualquier caso, el resultado es fantástico, aunque me quede la duda de ¿cómo hacen los videos en las pantallas? Supongo que croma, lectura de guión como referencia para los diálogos y a montarlo todo después en postproducción. Gran trabajo, sea plano secuencia real o falseado.

Y más mérito todavía si tenemos en cuenta lo último que quería comentar de la película japonesa: se ha grabado con un móvil. Ok, pongámonos técnicos, no es 100% correcto puesto que no todo ha sido con un smartphone. Pero mejor todavía: lo que no se grabó con el teléfono se ha grabado con una pequeña cámara que llevaban pegada al teléfono.
Sé que esto no hace a la película mejor ni peor en cuanto a calidad final, pero habla un poco más de las particularidades de esta pequeña joya del cine nipón y, a mi parecer, realzan el trabajo hecho detrás de las cámaras por el director novel y la compañía teatral. Es que lo escribo y me sigue sonando a coña, de verdad.

En definitiva, Beyond the infinite two minutes es una pequeña-gran maravilla del cine japonés que fácilmente habrá pasado bastante desapercibida pero que, en sólo 70 minutos, crea todo un universo de loops temporales digno de ser recordado y que, desde hoy, nunca me cansaré de recomendar, puesto que se ha convertido en una película de culto.

CONSIGUE LA PELÍCULA AL MEJOR PRECIO

En este caso, la gente de Bloober Team, aunque no hayan hablado con el que fuera mi jefe, han seguido al pie de la letra el consejo y han creado este The Medium que bebe de tantos y tantos juegos, en algunas ocasiones de manera acertada y en otras tendrían que haber estado un poco más finos para conseguir un producto que pase del «meh» final.

The Medium y la inspiración de los clásicos

Hay varios juegos que se me vinieron a la mente en los primeros compases de este The Medium. El primero fue Control, el título de la gente de Remedy. En este caso las similitudes son más bien pocas y concentradas en la protagonista Marianne, ya que me resultó muy similar a Jesse Faden tanto en apariencia como en el uso que se hace de ellas a nivel narrador externo. Nada más que eso.

Pero el segundo título, o títulos mejor dicho, que me vinieron a la mente fueron los clásicos Resident Evil. Y esto es tan sutil como evidente. Sutil porque quizás uno lo primero que ve al pensar en los primeros juegos de Capcom son zombies, mansiones o comisarias, disparos y mucha tensión, y de eso no hay nada en el título de Bloober. Pero quitada esa primera capa creo que todos tenemos en mente la cámara fija e inamovible de los inicios de la saga.
En aquellos tiempos se utilizó más que nada por las (pocas) limitaciones técnicas que podrían tener las máquinas y las tendencias del momento, pero se aprovechó para hacer algo característico y ganar muchos puntos en ambientación. Gracias a aquellos planos fijos, por ejemplo, la escena del licker en Resident Evil 2 nos hizo a todos sudar frio en su primera aparición.

Pero en The Medium no tenemos limitaciones y no hay una moda que utilice este recurso, pero han sabido aprovecharse de esta técnica y dotar al juego de personalidad. Algo que podría convertirse muy fácilmente en una característica negativa, la han abrazado y adaptado a lo que su obra requería y les ha salido a pedir de boca.

Otra similitud con los clásicos Resident Evil (aquí estoy hilando demasiado fino) es que no dura 80 horas. ¡Por fin! Los que tenemos el tiempo contado para jugar durante la semana agradecemos infinitamente poder disfrutar de un título que no nos lleve más de 8-10 horas. No siempre es necesario, ni hay ganas, estar decenas de horas delante de la pantalla completando misiones secundarias para darle más lore a la historia. Son meses los que ando detrás de poder hincar el diente a Assassins Creed: Valhalla, pero para mi un juego de 80 horas me suponen 2 o 3 meses de tiempo que no me apetece invertir en un solo título. Como decían en este video, al peso se compra la mortadela.

Lamentablemente, aquí se quedaron las buenas ideas llevadas a buen puerto en The Medium.
Sí, hay más planteamientos interesantes (que también recuerdan a otros juegos), como el punto fuerte del juego que es el dividir la pantalla en dos mundos y jugarlos a la vez. Una idea que recuerda a Legacy of Kain: Soul Reaver, donde tenías que cambiar entre el plano fisico y el espiritual para poder desbloquear caminos y continuar con tu aventura, pero que se queda en una buena intención y una potente herramienta de marketing. A la hora de la verdad, no aporta demasiado.

Es cierto que tampoco ayuda la historia, que aunque es interesante no ha conseguido engancharme lo más mínimo. Los primeros compases si despiertan la curiosidad, pero luego se va diluyendo, aunque es probable que esto sea únicamente un problema mío y la narrativa si merezca la pena para muchos otros.

Mucho menos ayuda la concepción general del juego. Es un título pasillero y simple a más no poder. No hay opción de nada más que no sea avanzar por escenarios muy limitados, con una falsa sensación de exploración en salas más amplias pero que no dejan de ser habitaciones al final del pasillo y que dan para lo que dan.
Quieren hacer parecer que han bebido de Resident Evil a la hora de plantear puzzles que nos hagan calentarnos la cabeza y crear un elemento más de desafio para el jugador, pero son igual de pasilleros que el juego en sí: simples como el mecanismo de un chupete y no suponen ningún reto.

En definitiva, The Medium es una obra con muy buenas ideas: unas planteadas y desarrolladas con mucho acierto y otras que pasan sin pena ni gloria. Pero en el fondo, la base del juego es la que es y no da para más, dejando al final un título muy sencillo y olvidable que queda lejos de dar la sensación de que estamos en la nueva generación.

¿Es buena la serie de Jeff Dahmer?

En los últimos días, después de ver la historia al completo de un psicopata ficticio, me he puesto en modo maratón con esta serie para conocer la historia de Jeffrey Dahmer y ver el porqué de tanto revuelo con lo nuevo de Netflix. Y la verdad, que puedo llegar a entenderlo, pero solo a medias.

Empecemos por el principio: la serie en sí es bastante buena. Tiene momentos brillantes, sobre todo en los primeros episodios, pero está lejos de ser genial y de que su calidad acompañe a su éxito.
El principal problema es que sobran, al menos, tres capítulos. Las casi 10 horas de contenido son muy excesivas y hay tramos de la narración que son un auténtico tormento, porque aportan poco a la historia general o porque lo hacen con un ritmo que te hace desconectar por completo del hilo principal. Una duración más contenida habría sido todo un acierto, porque el apartado técnico, el aura cercano al cine de terror (sobre todo los primeros capítulos) y las actuaciones funcionan a la perfección

De echo, Evan Peters, actor que da vida al asesino, debería estar nominado a todos los premios posibles el próximo año. Él solo mantiene el interés y su interpretación, sobre todo después de ver al Jeff Dahmer original, hace que se te caigan los cojones al suelo se siga haciendo un nombre importante dentro del mundo televisivo después de su participación en American Horror Story.

Todo en su interpretación es brillante: la manera en la que habla, la mirada, el modo en el camina y un largo etcétera de pequeños detalles que le coronan como lo mejor de la serie. Es, quizás, el motivo principal por el que merece la pena ver este contenido. Son pocos los momentos en los que él no está en pantalla en los que el interés se mantenga intacto. Alguna parte con el padre, la historia del chico sordo y poco más.

El otro gran problema que le veo a este documental está en lo que nos cuenta. Quizás no el qué, sino el cómo. El qué lo veo casi perfecto, pues se centra en explicar con pelos y señales quien era Jeffrey Dahmer pero sin dejar de lado a todas las victimas que dejó a su paso: no solo las mortales sino también todo el entorno de las mismas.

Los pecados de La historia de Jeffrey Dahmer

Como digo, el problema lo veo en cómo van deshojando la margarita. Lo primero que me llamó la atención es la humanización de Dahmer.
Desde los primeros compases me dio la sensación de que querían hacer ver que el psicópata era culpable de sus crímenes, pero no por elección propia, sino por el entorno y el contexto en el que se crió: el abandono de la madre que le lleva a buscar siempre tener alguien cerca, el padre que tiene la sensibilidad de un zapato y le introduce el gusanillo de la muerte con la taxidermia, el ser un homosexual en la américa profunda en los años 70… Todos los pasajes de la vida de Jeffrey están servidos a modo de: «él también es una victima».
Y esto es algo que funciona muy bien, pero solo cuando hablamos de ficción (Dexter, Los Soprano, etc.). Cuando tenemos delante la historia de un criminal de estas características, hay que andarse con pies de plomo. La polémica ya persiguió a Narcos por su «humanización» de Pablo Escobar, y me parece que aquí le andamos a la par.

Después, me ha quedado el regusto amargo de que, pese a todo, los creadores no han querido entrar en polémicas (irónico, ¿verdad?). Quizás polémica no sea el termino adecuado, pero intento explicarme. Durante los 10 episodios ahondan mucho en la mente y la psicología tanto de Dahmer como de sus víctimas, su padre o la señora Cleveland. Se centran también mucho en los temas que podrían ser más sociales, como todo el contexo LGTBI o los temas raciales. Pero, cuando llega la hora de contar qué ha hecho este ser, cuando hay que dibujar el porqué su historia es tan famosa y causó tanto revuelo, ahí se quedan a medias.

Si estás atento a cada minuto, oirás que Dahmer intentaba lobotomizar a sus victimas, que se comía algunos de sus organos, que los violaba vivos y muertos, que los descuartizaba o que experimentaba con ellos, pero la serie no se para en ningún momento a decir «ey, este ser es lo más cercano a un monstruo porque hizo, esto y esto y esto…».
Al final, Jeff Dahmer queda como un personaje casi glorificado, un juguete roto de la sociedad que, con un cable un poco pelado, nos ha salido serial killer (casualidades del destino), y sus crímenes quedan muy desdibujados e incluso banalizados. Se han centrado más en buscar la lágrima con las historias que hay detrás que en hacernos sentir arcadas por los crímenes sin sentido que cometió este individuo.

Con todo, sigue siendo un producto digno de verse, pero muy lejos del éxito que lo ha rodeado. Las 10 horas son excesivas, el guión tiene sus peros, pero probablemente sea la mejor narración del carnicero de Milwaukee, con unos capítulos iniciales brillantes en todos los sentidos.
Los true crime están de moda y si están medianamente bien hechos siempre funcionan y gustan al público, pero son producciones muy delicadas que tienen que caminar sobre el alambre para informar, entretener y no caer en polémicas.