En los primeros minutos del primer capítulo ves aparecer a Jorge Ponce (la mente detrás del documental), Andreu Buenafuente, Joaquín Reyes y otras celebridades de la televisión y el cine español, relatando como Antonio Medina, un hombre de mediana edad, calvete y con barba, se ha acercado a ellos en algún momento de sus vidas, intentando hacerles recordar que han trabajado juntos en algún proyecto, que él era cámara y que la vida no le ha ido del todo bien, sobre todo a raíz de una desgracia random que le ocurrió a su hija. Se despide de ellos para, pocos segundos después, darse la vuelta y pedirles si pueden echarle una mano con algo de efectivo, argumentando alguna excusa inventada en el momento.

La verdad es que la cosa inicia bien, tiene buena pinta. El problema es que no sabes cómo una historia así puede estirarse durante los cinco capítulos que forman esta serie, pero rápidamente comienzas a descubrirlo.

A la caza de Antonio Medina, ¿o quizás no?

Jorge Ponce nos presenta el HUB, la oficina que van a utilizar como centro neurálgico para las operaciones de investigación que llevarán a cabo para encontrar a Antonio Medina, el estafador. Ya aquí comienzas a plantearte qué cojones estás viendo: revistas pixeladas por una excusa absurda, dos personas del equipo con la cara oculta por una historia (y una explicación) demasiado chistosa, una criptomoneda gigante como decoración de la oficina…

Esto da paso al inicio de la investigación propiamente dicha. Una búsqueda y captura de Medina que, poco a poco, va quedando en segundo plano y termina sepultada bajo una buena cantidad de subtramas que, durante los cinco episodios del documental, nos transportan al humor más disparatado de un Jorge Ponce en su salsa. Detectives que te estafan, la obtención de la distinción de una producción «verde», las disputas con Ángela (directora de producción) por el coste de la grabación… Cualquier cosa vale para arrancarte las carcajadas. Incluso la aparición del fantástico Juan Muñoz que, para mí, tiene el momento más divertido de toda la serie.

Pero entonces, ¿qué hay de true crime en todo esto? Pues después de haber visto los créditos finales, todavía no lo tengo claro. Es parte del encanto de la serie: moverse en esa línea en la que no logras distinguir qué es cierto y qué es simplemente un producto cómico.
Que existe un Antonio Medina y que hizo esa estafa a famosos parece ser que es verdad. Existen los tweets de Carlos Jean, existen las noticias en los periódicos y existen, entre otras cosas, testimonios que no están recogidos, como la experiencia que Antoni Daimiel contó en el programa de YouTube Colgados del Aro.

¿Es verdad la historia de Antonio Medina?

¿Realmente existió la búsqueda de este personaje? Ahí ya no hay ninguna certeza. La serie te muestra (más o menos) a un Antonio Medina. Jorge Ponce se sienta a hablar con él y mantienen una conversación nuevamente absurda a niveles de Faemino y Cansado.

Pero la realidad es que no importa si lo que has visto es más o menos real. Lo que has visto es uno de los primeros (si no el primero) documentales absurdos: han cogido una premisa real y la han retorcido para darte unas tres horas de humor disparatado, donde sólo importa pasarlo bien y dejarse llevar.

Como dice el propio Ponce al final del documental: todo es verdad y mentira a la vez.

La verdad es que no soy capaz de recordar cómo llegué a esta serie. En algún sitio hoy hablar de ella y la añadí a la cabeza de la lista infinita de series pendientes que tengo para ver. Y si estaba arriba del todo del listado, es porque debí escuchar cosas fantásticas de la serie.
Después de ver la mitad de la serie, puedo decir que con razón.

Como decía, es un cuento mil veces visto: un atraco a un banco en el que los atracadores, que lo tienen todo muy bien pensado, toman unos cuantos rehenes y se atrincheran a ver cómo avanza el asunto. Pero tiene dos cosas que la hacen única y realmente especial.

De Dag, una verdadera joya oculta

La primera es el modo en que tienen de plantear la historia y los capítulos. Nosotros, los espectadores, empezaremos siguiendo a la policía, concretamente al equipo de negociadores del cuerpo: Ibrahim, Vos y Roeland. Serán los primeros personajes que conozcamos y a los que más seguiremos durante el atraco. Además, veremos en primera instancia lo que ellos vean, iremos siempre a su ritmo. Me explico.

En el primer capítulo de la temporada conocemos a los tres personajes mencionados, nos enteramos de que hay un atraco en marcha con toma de rehenes y vemos todo el despliegue policial. No sabemos qué ocurre dentro del banco, quienes son los atracadores o los secuestrados. Nada. Sabemos únicamente lo que sabe la policía y quienes son los buenos.
Ya en el segundo episodio la trama cambia de prisma y nos presentan lo mismo que ya habíamos visto del robo pero desde el otro lado: quién hay dentro y de dónde han salido, quienes son los malos y qué está ocurriendo en el interior del banco.
Es decir, los capítulos en De Dag se presentan por parejas: primero los buenos, luego los malos. Primero lo que ocurre fuera del banco, después lo que hacen dentro. Siempre en la misma línea temporal.

Esta manera de ir contando la historia juega a favor de los creadores para crear puntos de interés y cliffhangers, ya que tú desde el sofá de casa no juegas con ventaja ya que no irás por delante de la policía, no sabes qué se enfrentan. Cuando te muestran el interior del banco te dan alguna pista, lo justo para tenerte enganchado para el próximo episodio y hacer algunas cábalas, pero no avanzarás mucho más que los negociadores que esperan fuera.

El otro punto innovador que tiene la serie y la hace especial es su origen, pues se trata de una serie belga. Dime, así de memoria, ¿cuántas series o películas belgas conoces? ¿Tres o cuatro, siendo generosos? ¿A que te sobran dedos en la mano para contar?
Es maravilloso poder ver un contenido en el que no estás un rato pensando dónde c*** habías visto antes a esa actriz o actor, porque te suena la cara pero tu memoria es la que es y no consigues situarlo.

Es un nuevo ejemplo de una producción made in europe fantástica. La Casa de Papel (que utilizaba como ejemplo) partía de la misma base: un producto sencillo basado en un puzzle muy inteligente que ir desgranando poco a poco y que atrapa al telespectador desde el minuto cero, sin necesidad de contar con actores de renombre (no, al Profesor no lo conocían ni en su casa) ni sensación de que detrás haya ingentes cantidades de dinero.
Donde fallaba la serie española y acierta de pleno De Dag es que aquí no sobra nada: ni personajes, ni historias de relleno, ni españoladas… Nada, está todo en su justa medida.

Como decía al inicio, sólo llevo media temporada, pero no creo que pase del fin de semana que haga una maratón y termine con los 6 capítulos restantes. De echo, ¡todavía no sé porque he parado a escribir esto teniendo episodios en la recamara!

PD: Lamentablemente, en España creo que no lo emite ninguna plataforma. Pero seguro que todo el mundo encuentra la manera para poder disfrutarla.

¿Es buena la serie de Jeff Dahmer?

En los últimos días, después de ver la historia al completo de un psicopata ficticio, me he puesto en modo maratón con esta serie para conocer la historia de Jeffrey Dahmer y ver el porqué de tanto revuelo con lo nuevo de Netflix. Y la verdad, que puedo llegar a entenderlo, pero solo a medias.

Empecemos por el principio: la serie en sí es bastante buena. Tiene momentos brillantes, sobre todo en los primeros episodios, pero está lejos de ser genial y de que su calidad acompañe a su éxito.
El principal problema es que sobran, al menos, tres capítulos. Las casi 10 horas de contenido son muy excesivas y hay tramos de la narración que son un auténtico tormento, porque aportan poco a la historia general o porque lo hacen con un ritmo que te hace desconectar por completo del hilo principal. Una duración más contenida habría sido todo un acierto, porque el apartado técnico, el aura cercano al cine de terror (sobre todo los primeros capítulos) y las actuaciones funcionan a la perfección

De echo, Evan Peters, actor que da vida al asesino, debería estar nominado a todos los premios posibles el próximo año. Él solo mantiene el interés y su interpretación, sobre todo después de ver al Jeff Dahmer original, hace que se te caigan los cojones al suelo se siga haciendo un nombre importante dentro del mundo televisivo después de su participación en American Horror Story.

Todo en su interpretación es brillante: la manera en la que habla, la mirada, el modo en el camina y un largo etcétera de pequeños detalles que le coronan como lo mejor de la serie. Es, quizás, el motivo principal por el que merece la pena ver este contenido. Son pocos los momentos en los que él no está en pantalla en los que el interés se mantenga intacto. Alguna parte con el padre, la historia del chico sordo y poco más.

El otro gran problema que le veo a este documental está en lo que nos cuenta. Quizás no el qué, sino el cómo. El qué lo veo casi perfecto, pues se centra en explicar con pelos y señales quien era Jeffrey Dahmer pero sin dejar de lado a todas las victimas que dejó a su paso: no solo las mortales sino también todo el entorno de las mismas.

Los pecados de La historia de Jeffrey Dahmer

Como digo, el problema lo veo en cómo van deshojando la margarita. Lo primero que me llamó la atención es la humanización de Dahmer.
Desde los primeros compases me dio la sensación de que querían hacer ver que el psicópata era culpable de sus crímenes, pero no por elección propia, sino por el entorno y el contexto en el que se crió: el abandono de la madre que le lleva a buscar siempre tener alguien cerca, el padre que tiene la sensibilidad de un zapato y le introduce el gusanillo de la muerte con la taxidermia, el ser un homosexual en la américa profunda en los años 70… Todos los pasajes de la vida de Jeffrey están servidos a modo de: «él también es una victima».
Y esto es algo que funciona muy bien, pero solo cuando hablamos de ficción (Dexter, Los Soprano, etc.). Cuando tenemos delante la historia de un criminal de estas características, hay que andarse con pies de plomo. La polémica ya persiguió a Narcos por su «humanización» de Pablo Escobar, y me parece que aquí le andamos a la par.

Después, me ha quedado el regusto amargo de que, pese a todo, los creadores no han querido entrar en polémicas (irónico, ¿verdad?). Quizás polémica no sea el termino adecuado, pero intento explicarme. Durante los 10 episodios ahondan mucho en la mente y la psicología tanto de Dahmer como de sus víctimas, su padre o la señora Cleveland. Se centran también mucho en los temas que podrían ser más sociales, como todo el contexo LGTBI o los temas raciales. Pero, cuando llega la hora de contar qué ha hecho este ser, cuando hay que dibujar el porqué su historia es tan famosa y causó tanto revuelo, ahí se quedan a medias.

Si estás atento a cada minuto, oirás que Dahmer intentaba lobotomizar a sus victimas, que se comía algunos de sus organos, que los violaba vivos y muertos, que los descuartizaba o que experimentaba con ellos, pero la serie no se para en ningún momento a decir «ey, este ser es lo más cercano a un monstruo porque hizo, esto y esto y esto…».
Al final, Jeff Dahmer queda como un personaje casi glorificado, un juguete roto de la sociedad que, con un cable un poco pelado, nos ha salido serial killer (casualidades del destino), y sus crímenes quedan muy desdibujados e incluso banalizados. Se han centrado más en buscar la lágrima con las historias que hay detrás que en hacernos sentir arcadas por los crímenes sin sentido que cometió este individuo.

Con todo, sigue siendo un producto digno de verse, pero muy lejos del éxito que lo ha rodeado. Las 10 horas son excesivas, el guión tiene sus peros, pero probablemente sea la mejor narración del carnicero de Milwaukee, con unos capítulos iniciales brillantes en todos los sentidos.
Los true crime están de moda y si están medianamente bien hechos siempre funcionan y gustan al público, pero son producciones muy delicadas que tienen que caminar sobre el alambre para informar, entretener y no caer en polémicas.

Personalmente, mis grandes adicciones fueron Prison Break y, un poco después, Dexter. A la serie de Michael C. Hall, además, le tengo un especial cariño por dos razones.
La primera es que fue una de las últimas series que vi en el salón de casa de mis padres, como un ritual cada noche de ¿martes? (la memoria falla). Cenábamos, comentábamos un poco cómo había ido el día y, cada uno desde su butaca VIP habitual (su hueco del sofá), poníamos FOX y se guardaba silencio porque Dexter hacía acto de presencia.
La segunda razón es porque la serie se prolongó hasta 2013, por lo que las últimas temporadas ya las vi fuera de casa. Viviendo solo no disponía de televisión de pago, por lo que internet se convirtió en mi mejor amigo para poder ver los nuevos capítulos. Y en internet, en aquellos años, lo más fácil y rápido era acceder a los episodios en versión original con subtítulos en el idioma que quisieras, por lo que Dexter se convirtió en uno de los primeros contenidos que veía en versión original.

Cuando ya hace unos dos años se anunció el regreso del mítico asesino en serie con Dexter: New Blood, tuve sentimientos encontrados. Por un lado, volvía una de mis series preferidas, una de esas que siempre tendré en la memoria y eso siempre es motivo de alegría. Por otro lado, viendo lo mal que terminó la octava temporada, me entraron escalofríos solo de pensar en qué podían sacarse de la manga los creadores en esta ocasión.
Pero vayamos al final, o al principio, depende de cómo se mire.

Dexter, el nacimiento del mito

Hace un par de meses terminé New Blood y lo primero que hice el día siguiente fue ponerme el capítulo uno de la primera temporada, el inicio de todo. Hoy he comenzado ya la sexta. Todo esto ha ocurrido en un lapso de tiempo de unos 30 días. Dexter en vena.

La primera tanda de episodios empieza mal, no nos vamos a engañar. Visto con los ojos de hoy en día, el comienzo se hace muy cuesta arriba. Es lento, tosco, la trama tiene cero interés y los personajes son desesperantes. LaGuerta es una parodia, Masuka no tiene gracia y de Rita prefiero no comentar nada.
Por suerte, esto dura pocos capítulos y en seguida la historia y el carisma de nuestro serial killer te atrapa y no te suelta. Los episodios van cayendo uno tras otro, todo el hilo conductor del Ice Truck Killer se va desarrollando de una manera fantástica, la temporada acaba y comienza la segunda exactamente donde se quedó la primera, los personajes evolucionan, los guiones mejoran, Dexter se ve acorralado, giros de guión, explosiones y ya ha terminado otra estación. Boom. Coge aire, ahora que puedes.

De verdad, las dos primeras temporadas son geniales. Entiendo a mi recuerdo, ese que me dice que Dexter fue una serie muy buena. Tiene razón. La tanda de 24 capítulos que acabo de terminar lo confirman. Ha sido una montaña rusa a máxima velocidad. Un viaje fantástico.

Pero la segunda estación cierra muy bien todos los hilos y esto es un handicap enorme, porque la tercera tiene que volver a picar piedra, tiene que volver a construir una trama desde los cimientos y eso le hace un flaco favor a la serie. Es como volver al 1×01.
Suerte de Jimmy Smits, que hace un papel magnífico y ayuda a Michael C. Hall a llevar todo el peso de la función, pero el guión no termina de acompañar y hay cosas que ya empiezan a chirriar, decisiones un poco raras y que hacen arquear la ceja.

Entonces llega la 4ª temporada de Dexter. Llega Arthur Mitchell, a.k.a. Trinity, y de su mano Dexter se eleva al olimpo de la televisión. Los doce episodios son sencillamente brillantes y despejan cualquier duda que pudo quedar con la anterior tanda de capítulos.
Los creadores toman decisiones nuevas, como mostrar desde el primer momento al villano de la temporada. Te enseñan quien es, como actúa, como mata, todo su proceso… Y eso, con John Lithgow luciéndose cada vez que sale en pantalla, le da un empuje enorme a la serie.
También le da un empujón al personaje protagonista, porque empieza a mostrar sentimientos, lo toma como referencia y nos lo enseñan a través de sus ojos, como poco a poco va descubriendo su vida y sus secretos.
Y cuando ya pensamos que todo ha terminado, que hasta aquí hemos llegado y que la 5ª entrega apunta a ser más de lo mismo porque se han cerrado todos los hilos, vemos uno de los mayores plot twist que yo recuerde: Dexter vuelve a casa para encontrar a Rita en una bañera llena de sangre, siendo la última víctima mortal de Trinity.

Y ya. La serie maravillosa y mítica que yo tengo en mi cabeza con el asesino más famoso de todo Miami acaba justo en ese momento. Podría haber dejado de ver la serie en ese punto, pero no sé si por curiosidad, porque no recuerdo absolutamente nada, o por el morbo de ver como van cayendo las piezas del dominó, he seguido viendo episodio tras episodio, hasta el 6×03 en el que estoy a día de hoy.

Siendo sincero, la quinta temporada todavía mantiene bastante bien el tipo porque la primera mitad bebe de los restos de lo que fue el culmen de la serie, pero poco a poco se va desinflando hasta acabar en un nivel de absoluto «meh». Y en ese nivel ha comenzado la sexta y lo que está por venir, por suerte o por desgracia, lo recuerdo bastante bien. Dexter se hizo el harakiri por no saber poner un punto y final en el momento que debía.

Dexter: New Blood, todo sigue igual

Pero volvamos a New Blood para cerrar este texto. ¿Qué puedes esperar de este renacer de la serie? Pues exactamente lo mismo, punto por punto, de lo que supuso la segunda mitad de la existencia de Dexter: un comienzo prometedor que nace del recuerdo de mejores tiempos pasados y una sucesión de absurdas decisiones de guión que poco a poco van desinflando el globo de la ilusión y terminas viendo la temporada por inercia y deseando que salgan los créditos finales para volver a enterrar al personaje y recordar solo aquello que merece la pena.

Se vio en el inicio de la serie, se vio en la tercera entrega, a mitad de la quinta y en la sexta: los creadores no saben reiniciar. Con excepción de la maravillosa cuarta temporada, si han terminado una trama, les cuesta horrores arrancar otra de nuevo. Y además, al final, parece que se les ha echado el tiempo encima y tienen que terminar todo a la carrera haciendo chapuza tras chapuza, como cuando tenías que entregar el trabajo en clase y te acordabas el día antes a las 10 de la noche.

Con esta presentación del creador, ¿qué se puede esperar de su serie? Pues, como se suele decir en los titulares clickbait, la respuesta os sorprenderá

No todo es Ricky Gervais en After Life, pero casi

No nos engañemos. Con el cómico británico a los mandos, esperar una comedia sencilla para todos los públicos sería de idiotas. Pero esperar esta mezcla de humor negro con el drama más profundo que te puedas imaginar, estaba lejos de lo que yo podía imaginar.
Por si estás leyendo esto y desconoces de que va la serie: es la historia de Tony, personaje interpretado por Gervais, un hombre de mediana edad, con un trabajo mediocre y poco satisfactorio, que acaba de perder a su mujer por un cáncer y sólo ve su propia muerte como una solución a su tristeza. Intenso, ¿eh?

Con esta sinopsis, la cosa ya pinta de otra manera. Y es que After Life es un puñetazo directo al estómago. Ver a Tony apalancado en la cama o el sofá, bebiendo y viendo los videos que su esposa (Lisa) dejó grabados durante su tratamiento de quimioterapia hace que se te haga un nudo en la garganta y te preguntes si realmente quieres seguir viendo esta serie.
Y ojo, no es un dramatismo forzado buscando la lágrima del espectador. Quizás en algunos momentos se roce ese punto, pero la sensación que queda no es esa. Es simplemente un retrato cercano de alguien que ha sufrido una perdida y desconoce qué hacer con tanto dolor. Triste y soberbio a partes iguales.

Pero, ay amigos, estamos hablando de Ricky Gervais. Como decíamos en la introducción, el actor es famoso por algo diferente de sus dotes actuando. Y es que siendo una creación del británico hay humor negro, ácido, cínico y de todos los adjetivos que se os ocurra añadir a la lista. Y es genial, porque aunque se tenga el miedo de que pueda degenerar en algo muy bestia viendo el hilo conductor de la serie, resulta que generalmente la comedia aparece en el momento justo, en la medida justa y haciéndote reír a carcajadas.

Aunque hay que remarcar ese generalmente, que no está puesto al azar. No siempre se encuentra el tono adecuado en el momento adecuado. Yendo hacia la parte final de la serie, hay ocasiones en las que el humor eclipsa por completo al drama y ahí la serie cae en picado. Da igual lo desternillante que haya podido ser la gracia, en el momento que el humor sobrepasa al drama, el resultado deja mucho que desear. Lo que hace genial a la producción de Netflix es haber encontrado en la mayor parte de los capítulos ese perfecto balance entre el reir y el llorar, por lo que cuando la balanza se inclina demasiado hacia uno de los dos puntos, la cosa chirría y pierde calidad.

Ricky Gervais en estado puro y más allá

También inclina la balanza de la calidad los personajes que complementan el reparto encabezado por Gervais y su perro (si, tiene un perro y es bastante protagonista). Todos son fantásticos en el papel que les ha tocado en esta historia: Matt, el jefe blando; Kath, la compañera ingenua con sus creencias en el horóscopo y lo paranormal; Lenny, el compañero grandote y bueno de corazón… Todos ellos tienen un rol fundamental en la historia que gira por y para Tony y cumplen con actuaciones mucho más que correctas. Y, como el humor y el drama, con un tiempo en pantalla por lo general muy justo para gustar sin cansar.

Pero no son todos los que están. Hay personajes más secundarios, como el June y su hijo James, pero sobre todo Brian (David Earl) que en sus primeras apariciones resultan muy divertidos y le dan aire a la serie. Pero han ido más allá, han tenido más minutos frente a las cámaras del que era necesario y se acaban convirtiendo en minutos en los que desconecté de lo que ocurre porque son tan absurdos y me provocaban tan poco interés, que me aburrieron muchísimo. Y vuelvo a recalcar a Brian, del que me quedó la sensación que lo usaron para alargar el metraje y les salió el tiro por la culata.

Por último, hay que hablar de Ricky Gervais, auténtica estrella de After Life, con permiso del perro que le acompaña.
Gervais ha demostrado que no solo es un cómico brillante, sino que es un actor que puede ser tenido en cuenta para otro tipo de roles. Obviamente está lejos de ser una gran estrella en el firmamento de Hollywood, pero esa mezcla de comicidad y drama de la que hace gala toda la serie, ese papel de auto-destrucción, el uso del sarcasmo y cinismo… Ha sido una gran sorpresa verle actuar más allá de los monólogos, y encima hacerlo bien.

Eso sí, creo que decirlo está de más pero en cualquier caso quiero remarcarlo: si no eres fan de Ricky Gervais, olvídate. Puedes ignorar esta serie como si nunca hubiera existido.
Sí, como serie dramática es recomendable por todo lo que la compone y deja la puerta abierta a que cualquier tipo de espectador pueda llegar a ella, pero todo gira en torno a la figura del británico y su particular modo de ver la vida, que ya conoces si has visto alguna presentación o espectáculo suyo. Y si ya lo conoces, ya sabes si es para ti o no. Si hasta ahora no has entrado en sintonía con él, After Life no va a cambiar nada. Es más, es probable que lo repudies más si cabe por mezclar algo tan serio como la perdida, el luto y el suicidio con ese humor tan particular que le caracteriza.
Pero si sólo conoces el chiste de la edad de las novias de Leonardo DiCaprio y poco más, dale una oportunidad porque quizás pases unas horas de disfrute (bueno, ya me entendéis) frente a la televisión.

En definitiva, After Life es una serie recomendable, hecha por y para Ricky Gervais y sus fans pero que abre los brazos a otro público. Sí, es un dramón de muerte, autodestrucción y negatividad. Pero no deja de ser una obra del cómico británico y todo está envuelto en su humor y su particular manera de ver la vida, que, sabiendo qué comedia hace, deja poco espacio a la sorpresa.

Y, habiendo dejado pasar unos días desde que termino la serie de Saul y después de haber comenzado nuevamente a ver la historia de Walter White desde el inicio, creo que es más que correcto preguntarse si el spin-off ha superado en calidad a la serie original.

Respuesta corta: no.
Respuesta larga: no, pero…

Better Call Saul y todo lo que hace bien

Comencemos por el principio, que es poner en valor a Better Call Saul. Y es que estamos ante una de las mejores series de los últimos años desde que acabó Breaking Bad.

Vince Gilligan sigue al frente en la creación de esta historia y sigue siendo algo muy cercano a un genio cinematográfico. Toda la puesta en escena tiene una calidad y una personalidad única. Si ya en la serie madre el aspecto técnico era fantástico, desde la fotografía a la dirección, pasando por la banda sonora y una edición fabulosa, en la historia de Goodman todo se ha elevado.
El creador, con la colaboración de Peter Gould, ha llevado todo a un nuevo nivel. Ha mejorado en todos los aspectos y ha dotado a la serie de una personalidad propia más marcada todavía que en su anterior trabajo.

A esto hay que añadirle un guión que ni si quiera me siento capaz de analizar. Voy a pasar por alto el hablar del desarrollo de los personajes, de la dualidad del bien y el mal, si delincuente se nace o se hace, de como todas las decisiones de los protagonistas y antagonistas tienen un porqué y una explicación lógica. Voy a saltar todo eso, porque merece un artículo de cientos de palabras de los que ya hay multitud en internet.

También voy a pasar de puntillas por el buen hacer del reparto, porque no sorprende. Los Bob Odenkirk, Giancarlo Exposito y compañía ya los conocíamos. Pero si quiero remarcar a los actores que dan vida a Kim (Rhea Seehorn) y a Lalo Salamanca (Tony Dalton), ya que me parecen un descubrimiento fantástico y todo un acierto del casting, que debería ser recompensado con premios a mejor actuación en más de una gala.

Seehorn comenzó en la serie con un papel bastante secundario, me atrevería a decir que incluso estaba pensado para ser breve, pero poco a poco se fue comiendo la pantalla y terminó siendo co-protagonista de una serie que no lleva su nombre y ha derribado las puertas de una industria que, espero, le hará ganar fama y roles importantes de aquí en adelante.
En el lado del villano, Tony, tenemos a un actor que me recordó muchísimo a Jeffrey Dean Morgan en su papel de Negan en The Walking Dead. Un actor siempre bastante desconocido pero con un carisma para el papel que ha hecho que sea una verdadera lástima que no dispusiese de más minutos frente a las cámaras.

¿Y no es mejor que Breaking Bad?

Pero la cuestión es, si es tan buena técnicamente, en guión, los actores son tan geniales… ¿por qué no considerar que es un producto mejor que Breaking Bad?

Pues mi primer pensamiento fue algo muy básico: porque es el spin-off de una de las mejores series de todos los tiempos. Es decir: llegó tarde. Quien innovó, fue otra (que también se puede discutir su innovación).
Todo lo que Better Call Saul hace a un nivel más que sobresaliente, Breaking Bad lo hizo bastantes años antes. Todos esos planos tan geniales, esas canciones en esos momentos, esa creación y desarrollo de un personaje moralmente reprobable, etc. son una réplica más o menos acertada de algo que ya habían hecho entre 2008 y 2013 con la serie de Walter White. Y no basta con estar al mismo nivel cuando tu contrincante fue el pionero.

Pero como decía, este fue mi primer pensamiento. Y sigo pensando que es un pensamiento correcto, pero hay que añadir un matiz muy importante a la pregunta:
¿Ha superado Better Call Saul a Breaking Bad? No, pero porque no se puede superar a la misma creación. De echo, en ningún momento digo que Breaking Bad sea mejor.
La historia de Saul Goodman no es mejor ni peor que las 5 temporadas de Walter White, simplemente son la misma historia. Han cogido el universo que ya tenían creado y le han puesto un principio y un final.

Le han dado un principio creando un origen a los personajes más reseñables y de los que se conocía menos: la versión pringaillo eclipsada de Jimmy McGill a la sombra de su hermano, el policía corrupto con un sentido del honor algo particular que supone Mike, la versión más vulnerable de Gustavo Fring… Todo esto lo ignorábamos y nos hace descubrir el fondo y el historial de los personajes que ya conocíamos. Nos hace comprender mejor Breaking Bad.

Y los últimos capítulos de Better Call Saul, esas horas de blanco y negro, le dan el cierre definitivo a esta creación. Ya sabíamos que fue de Walter, Jesse, Mike y compañía. Pero ahora se han cerrado los pocos flecos sueltos que quedaban.

Todo siguiendo el mismo patrón, mismas técnicas, mismos puntos fuertes. Personalmente, he dejado de verlo como dos productos independientes y complementarios y he iniciado a verlos como una sola serie de dos partes.

Aunque siempre pondré ligeramente por encima a Breaking Bad

Y es que, aunque pueda haber sido al final mejor o peor serie en su conjunto, hay algo que es innegable a la serie basada en los libros de George R.R. Martin, y es que fue un producto de mucha calidad, en cierta medida arriesgado y del que se deberían de haber aprendido muchas lecciones que parece que han caído en saco roto. Yo quiero nombrar 3 de ellas, que son las que tanto he echado de menos en esta cuarta temporada de Stranger Things.

OJO, QUE VAN SPOILERS!

Lección 1: Los protagonistas también pueden morir

Si hay una cosa que me ha sacado completamente al final de la serie ha sido la falta de muertes. Oye, que uno no tiene especial fijación con que caigan algunos de los personajes principales de esta serie, pero hay momentos en los que no se puede justificar que todos sigan vivos. Sí, ha muerto Eddie, pero está lejos de ser un protagonista. De echo, es una fórmula usada en la temporada anterior: presentar un nuevo amigo de la banda que tenga recorrido durante una temporada y luego muere a manos del malo de turno. Pero no era esto lo que pedía la serie (y Millie Bobby Brown, por cierto).

Cuando un grupo de adolescentes se enfrenta al mismo diablo en persona y lo único que les sucede (al margen de Eddie) es que Max se lleva unos cuantos huesos rotos, es un poco absurdo. Y esto es algo que aprendimos de GoT: no pasa nada por matar a personajes principales. Es más, es positivo en muchas ocasiones. Creas situaciones a las que el resto de personajes tiene que hacer frente, evolucionar y te dan margen para introducir cambios en sus personalidades.
Y en este caso hablamos de Max, que ha ido ganando protagonismo poco a poco pero le falta ese vínculo con el espectador como puede tener el de los 5 actores principales. Pero también, en otras circunstancias, podían haberse quitado de encima al personaje de Will, que se ha convertido en un lastre al que no se le puede sacar más jugo y una muerte hubiese enriquecido a los demás protagonistas.

Lección 2: Piensa bien lo que estás a punto de contar

Decía el dicho (valga la redundancia) que «poderoso caballero es Don Dinero». En la TV esto lo llevan marcado a fuego en la piel.
No nos engañemos, Stranger Things mola mucho. Ninguna temporada ha dejado la sensación de haber perdido el tiempo viéndola. Pero que el chicle de su éxito lo han estirado más de la cuenta es también un hecho. ¿Qué tendría de malo que la serie hubiese terminado en la segunda temporada? Absolutamente nada. Habrías contado tu historia, tendrías una serie maravillosa que se despidió casi en el momento justo dejando tras de sí unos personajes carismáticos para siempre en la memoria colectiva.
Pero no, ya vamos por la cuarta temporada y nos queda la quinta. Uf, ¿no es demasiado?

Hay que saber qué historia quieres contar, desarrollarla, llevarla hasta el final y luego saber parar. Este es el punto clave: saber cuándo no hay más que contar y tener el valor de rechazar seguir estrujando la gallina de los huevos de oro. En este punto es donde más series modernas podemos meter como ejemplo: La casa de papel, El juego del calamar, Prison Break, Dexter…

Game of Thrones no es que supo parar a tiempo, es que se notó muchísimo cuando dejó de tener una historia que contar. En el momento que se acabaron los libros que servían de guía y que eran la fuente de todas los hilos de la serie, la serie pegó un bajón increíble de calidad y coherencia y levantó las crítica de una gran parte de los fans.
Cualquiera de las series que nombraba antes pecan de lo mismo: tienen una historia estupenda que contar y, una vez contada, siguen adelante dando palos de ciego y haciendo que la calidad del conjunto final del producto sea muy inferior a lo que debería.

Lección 3: El uso de los ritmos pausados

Conectado ligeramente con la lección nº2, está el uso de los diálogos pausados, los ritmos lentos y las largas escenas en las que parece que no ocurre nada pero está sucediendo todo.
¿Cómo se conecta con el anterior punto? Pues que George R.R. Martin lleva milenios escribiendo los libros de GoT y sabe qué uso tiene cada conversación y qué utilidad tendrá en el futuro. Sabe lo que representa cada palabra. Y los creadores de la serie de TV tuvieron con ello la biblia de cuando pausar el ritmo.

Ojo, no quiero darle todo el mérito al escritor, faltaría más. Benioff y Weiss (productores, guionistas y muchas más cosas de la adaptación) supieron plasmarlo todo en el formato televisivo y ya tenían los antecedentes de que era factible con el camino marcado que en su día dejaron Los Soprano o The Wire. Pero no todas las series saben seguir ese camino.
Y ahí entra de lleno la última temporada de Stranger Things. ¿Cuántos minutos del capítulo final son prescindibles? ¿Cuántos momentos de calma y diálogos «profundos» y largos son necesarios? Ese momento de pausa de cada personaje antes de llegar a un desenlace no siempre tiene que estar presente, puedes eliminarlo. Y más todavía si no aporta nada: ni a la historia, ni a la resolución, ni al personaje en sí.

Esto, que se acerca a lo que yo llamo «españoladas», es un somnífero directo al espectador que perderá completamente el interés por lo que está pasando en pantalla. Hay que saber bajar el ritmo en un guión sin perder a la audiencia y aportando al mismo tiempo «algo» a la narrativa.

En definitiva, me considero un gran fan de las producciones de HBO, pero estoy lejos de ser un defensor a ultranza de Juego de Tronos. Aún así, al César lo que es del César: la serie de los libros de R.R. Martin hizo muchas cosas bien, muchísimas. Y el resto de producciones de TV sólo tienen que mirar de reojo a lo que funciona y aprender un par de cosas para que tengamos una calidad muy superior en las próxima creaciones televisivas. Si, en la sencillez está la dificultad. Pero no siempre.

Por eso le tenía muchísimas ganas a Succession, la última gran producción de HBO y mi gran esperanza para encontrar el producto de calidad que tanto echo en falta, visto lo que las críticas decían de ella.
Haciendo un resumen de mi opinión de manera express: casi, pero no. Ojo, un gran producto, por encima de la mayoría de las opciones actuales. Pero yo no quiero hablar de la serie en profundidad o de lo que me ha parecido, sino de tres detalles que me quedaron marcados después de ver la primera temporada (estoy a punto de terminar la tercera ya)

Succession está en los detalles

El primero de ellos y más evidente es el tema principal de la serie. Si no has visto la serie y no conoces la canción, toma dos minutos de tu tiempo, dale al play ahora mismo y escúchala con calma.

Es una canción sencilla, nada realmente excepcional, con un piano y un violín que destacan por encima del resto. Pero, como decía un amigo mio, en la sencillez está la excelencia.
Si eres de los que desconoce el argumento de la serie por completo, estoy seguro que solamente escuchando estos acordes de piano tienes una fotografía completa del estilo y el tono que tendrá la serie, una buena meta para el tema principal y música de cabecera de cualquier producción audiovisual.
Sin embargo no es sólo eso. Es que la canción la vas a escuchar siempre, en todo momento. En cualquier capítulo puede sonar de fondo, puede estar acelerada para generar tensión o sonar con más pausa para conseguir el efecto contrario, pero va a estar ahí siempre. No digo que sea la única melodía que se escuche, pero prácticamente. Es una maravilla que una serie tenga una música tan buena, tan cuidada y tan explotada.

El segundo de los detalles, este un poco más fino, es el uso de la cámara. Lejos de la fotografía maravillosa de Breaking Bad o de los planos estáticos sin movimiento de Los Soprano, en Succession se hace un uso constante de la cámara en mano y del zoom.
Estos dos recursos hacen que la imagen pierda estabilidad y tenga más movimiento y un gran efecto de cercanía para introducir al espectador en la escena.
El tema del uso del zoom no sé muy bien como explicarlo, pero básicamente es lo que hacía tu padre con la cámara antigua que se compró para grabar las vacaciones o tu actuación en el teatro del colegio, haciendo zoom hacia tu cara mientras seguía grabando. Pues aquí lo hacen pero sin ese temblor de pulso y a toda velocidad. Más o menos como en la segunda parte de este gif, pero más exagerado.

Ambas técnicas, pero sobre todo el uso del zoom, me han llamado mucho la atención puesto que su uso se da en comedias y falsos documentales como Modern Family o The Office, o en series con más acción y que requieren dar velocidad a la escena, pero pocas veces son utilizados en dramas como este.
Como decía, es fantástico para darle autenticidad a lo que muestra la pantalla puesto que crea la falsa sensación (salvando muchísimo las distancias, obviamente) de estar viendo algo amateur. Es un recurso brillante, un pequeño detalle de mimo al producto, aunque tengo la sensación de que según van avanzando los capítulos, el uso es menor.

El último punto que quería comentar es el final de la primera temporada (ojo a los posibles spoilers). Después de 9 capítulos FAN-TÁS-TI-COS todo se va a la mierda queda ensombrecido por una resolución atropellada, en la que en pocos minutos tienen que resolver todo lo que no les ha dado tiempo antes y que dejan un sabor agridulce porque empañan todo el buen hacer hecho hasta ese momento. Parece que el personaje de Kendall necesitaba al menos media hora extra para poner todo en orden y cerrar su trama de la mejor manera posible, pero el tiempo era el que era y tuvieron que sintetizar. Una lástima.

Dicho lo cual, obviamente, mi opinión es la de una persona que desconoce por completo el material original. Si es mejor o peor que los libros, si los personajes han cambiado de sexo o etnia, son cosas que me dan igual por completo y voy a dar mi opinión únicamente en referencia a lo que he visto en Apple+ sin hacer ninguna comparación con lo escrito por el señor Asimov.

Fundación, empecemos cogiendo ritmo

Comencemos por el principio y sin paños calientes: el inicio de la serie es agridulce. Si el primer capítulo presenta a la mayoría de los protagonistas que ocuparán casi toda la trama de la temporada de una manera bastante interesante, explicando por donde irá la línea argumental principal, en los siguientes el ritmo pega un bajón muy considerable y se hace pesado, con ganas de que vayan pasando los capítulos y cruzando los dedos para dos pecados principales vayan desapareciendo con el pasar de los minutos.

El primero y que tiene peor solución es el reparto. Quitando a Joe Harris, que es un auténtico fuera de serie, Lee Pace, que está soberbio y, muy en menor medida, a Lou Llobel, el resto de actores no están a la altura y tienen una falta de carisma preocupante.
La actriz que interpreta a Salvor (Leah Harvey) es el caso que más hace saltar las alarmas, porque a partir del segundo capítulo su tiempo en pantalla es enorme y, lamentablemente, no consigue atraparte ni que sientas el más mínimo interés por su devenir. Y, siendo uno de los personajes principales, poca solución se me ocurre en este aspecto.

Por otro lado, tenemos el tema argumental. En mi caso, me gusta utilizar el concepto «españolada» en las series cuando, en argumentos o momentos puntuales, se desarrollan romances entre personajes y escenas amorosas que están completamente fuera de lugar.
¿Por qué el termino españolada? Porque creo que es algo de lo que padecen (o han padecido en los últimos lustros) las ficciones españolas. El ejemplo perfecto es La Casa de Papel, donde los romances en medio de un atraco de alta tensión están a la orden del día.

Volviendo a lo que nos interesa, Fundación sufre de estas españoladas en la primera temporada con sus dos personajes femeninos principales, Gaal y Salvor, y no sé cual de las dos me estorbó más. Estamos ante una serie de ciencia ficción que quiere ser referente en el genero en los próximos años, por lo que si quieres apostar todo al rojo, que sea así, no te quedes a medias tintas. Danos el cien por cien de sci-fi, no lo adornes con historias de amor que (por suerte) no tienen mayor futuro que el de rellenar unos pocos minutos de capítulo.

Además del punto romanticón, que es un mal posiblemente temporal, no hay que pasar por alto todas las coincidencias argumentales que tiene la serie (quizás herencia de los libros, quizás iluminaciones de los guionistas) que también pueden provocar que acabes desconectando un poco de la serie por lo inverosímil de las circunstancias.
Chirría que siempre se justifique todo como parte de las predicciones del perfecto plan de Hari Seldon. Así, tenemos que una raza enemiga del imperio encontrará una nave espacial que salta al azar de galaxia en galaxia y que esto desencadenará en una serie de acciones que terminarán con él mismo apareciendo en el momento exacto antes de que haya víctimas importantes que lamentar, en el punto exacto donde tres razas enemigas entre ellas están reunidas, para así poder dar su discurso motivacional para los próximos tropecientos siglos. No lo sé Rick, parece forzado y poco predecible.

Hay mucho para ser optimistas

Pero no nos dejemos llevar por la negatividad. Fundación es una gran obra de ciencia ficción audiovisual, todo un caballo ganador para Apple y una apuesta de futuro dentro del género. Probablemente sea de las mejores propuestas de los últimos años.

Estamos ante una producción MUY ambiciosa. Se quiere adaptar en unas 8 temporadas toda la obra de Asimov, que comprende 16 libros, innumerables escritos y relatos cortos y casi 25 años de trabajo. Y eso sin contar con que el conjunto de libros abarca una historia de milenios. ¿Cómo es posible adaptar tan largos periodos de tiempo, que en texto es relativamente sencillo, a una producción audiovisual?

La serie lo está intentando y parece que lo están consiguiendo. El lograr mantener a los personajes y actores durante siglos les está saliendo bien. El tener un guión ágil y lo suficientemente explicativo para poder introducir filosofía, religión, matemáticas, política interplanetaria, culturas, etc. en un ámbito galáctico es, como dicen en italiano, un capolavoro.

Además, Apple está demostrando tener un gusto estético exquisito más allá de los productos que vendan. Si habéis visto otras producciones de los californianos, como Ted Lasso o Becoming you, os habréis dado cuenta de que la fotografía, el uso de los colores, saturaciones… Tienen un toque especial. Están muy cuidados y producen auténtico placer visual. Esto también lo están consiguiendo con Fundación.
La serie está lejos de ser Dune (para mi, actualmente, el referente en cuanto a «bonito»), pero destaca respecto al resto de las series de otras compañías.

Por último, hay que agarrarse a las líneas argumentales que sobresalen por encima de las demás o las que están por desarrollarse. La historia de los Cleons y su decadencia es maravillosa, coherente y cuenta con Hermano Día, que es el mejor personaje/actor de los 10 capítulos. El encuentro entre Gaal y Salvor al final de la temporada, ahora que se han quitado lastre de encima y se han quedado solas, es el mejor interrogante que tenemos de cara a la segunda estación.

En definitiva, la primera temporada de Fundación está lejos de ser perfecta, pero es un gran punto de partida sobre el que construir. Hay material de sobra, actores que pueden llevar el peso de la serie y Apple tiene aquí un cabeza de cartel al que le dará todo lo que necesite.
Haciendo ajustes aquí y allá y siguiendo las buenas pautas de los primeros 10 episodios, Fundación puede convertirse en una de las grandes series actuales.