¿Es buena la serie de Jeff Dahmer?

En los últimos días, después de ver la historia al completo de un psicopata ficticio, me he puesto en modo maratón con esta serie para conocer la historia de Jeffrey Dahmer y ver el porqué de tanto revuelo con lo nuevo de Netflix. Y la verdad, que puedo llegar a entenderlo, pero solo a medias.

Empecemos por el principio: la serie en sí es bastante buena. Tiene momentos brillantes, sobre todo en los primeros episodios, pero está lejos de ser genial y de que su calidad acompañe a su éxito.
El principal problema es que sobran, al menos, tres capítulos. Las casi 10 horas de contenido son muy excesivas y hay tramos de la narración que son un auténtico tormento, porque aportan poco a la historia general o porque lo hacen con un ritmo que te hace desconectar por completo del hilo principal. Una duración más contenida habría sido todo un acierto, porque el apartado técnico, el aura cercano al cine de terror (sobre todo los primeros capítulos) y las actuaciones funcionan a la perfección

De echo, Evan Peters, actor que da vida al asesino, debería estar nominado a todos los premios posibles el próximo año. Él solo mantiene el interés y su interpretación, sobre todo después de ver al Jeff Dahmer original, hace que se te caigan los cojones al suelo se siga haciendo un nombre importante dentro del mundo televisivo después de su participación en American Horror Story.

Todo en su interpretación es brillante: la manera en la que habla, la mirada, el modo en el camina y un largo etcétera de pequeños detalles que le coronan como lo mejor de la serie. Es, quizás, el motivo principal por el que merece la pena ver este contenido. Son pocos los momentos en los que él no está en pantalla en los que el interés se mantenga intacto. Alguna parte con el padre, la historia del chico sordo y poco más.

El otro gran problema que le veo a este documental está en lo que nos cuenta. Quizás no el qué, sino el cómo. El qué lo veo casi perfecto, pues se centra en explicar con pelos y señales quien era Jeffrey Dahmer pero sin dejar de lado a todas las victimas que dejó a su paso: no solo las mortales sino también todo el entorno de las mismas.

Los pecados de La historia de Jeffrey Dahmer

Como digo, el problema lo veo en cómo van deshojando la margarita. Lo primero que me llamó la atención es la humanización de Dahmer.
Desde los primeros compases me dio la sensación de que querían hacer ver que el psicópata era culpable de sus crímenes, pero no por elección propia, sino por el entorno y el contexto en el que se crió: el abandono de la madre que le lleva a buscar siempre tener alguien cerca, el padre que tiene la sensibilidad de un zapato y le introduce el gusanillo de la muerte con la taxidermia, el ser un homosexual en la américa profunda en los años 70… Todos los pasajes de la vida de Jeffrey están servidos a modo de: «él también es una victima».
Y esto es algo que funciona muy bien, pero solo cuando hablamos de ficción (Dexter, Los Soprano, etc.). Cuando tenemos delante la historia de un criminal de estas características, hay que andarse con pies de plomo. La polémica ya persiguió a Narcos por su «humanización» de Pablo Escobar, y me parece que aquí le andamos a la par.

Después, me ha quedado el regusto amargo de que, pese a todo, los creadores no han querido entrar en polémicas (irónico, ¿verdad?). Quizás polémica no sea el termino adecuado, pero intento explicarme. Durante los 10 episodios ahondan mucho en la mente y la psicología tanto de Dahmer como de sus víctimas, su padre o la señora Cleveland. Se centran también mucho en los temas que podrían ser más sociales, como todo el contexo LGTBI o los temas raciales. Pero, cuando llega la hora de contar qué ha hecho este ser, cuando hay que dibujar el porqué su historia es tan famosa y causó tanto revuelo, ahí se quedan a medias.

Si estás atento a cada minuto, oirás que Dahmer intentaba lobotomizar a sus victimas, que se comía algunos de sus organos, que los violaba vivos y muertos, que los descuartizaba o que experimentaba con ellos, pero la serie no se para en ningún momento a decir «ey, este ser es lo más cercano a un monstruo porque hizo, esto y esto y esto…».
Al final, Jeff Dahmer queda como un personaje casi glorificado, un juguete roto de la sociedad que, con un cable un poco pelado, nos ha salido serial killer (casualidades del destino), y sus crímenes quedan muy desdibujados e incluso banalizados. Se han centrado más en buscar la lágrima con las historias que hay detrás que en hacernos sentir arcadas por los crímenes sin sentido que cometió este individuo.

Con todo, sigue siendo un producto digno de verse, pero muy lejos del éxito que lo ha rodeado. Las 10 horas son excesivas, el guión tiene sus peros, pero probablemente sea la mejor narración del carnicero de Milwaukee, con unos capítulos iniciales brillantes en todos los sentidos.
Los true crime están de moda y si están medianamente bien hechos siempre funcionan y gustan al público, pero son producciones muy delicadas que tienen que caminar sobre el alambre para informar, entretener y no caer en polémicas.

Con esta presentación del creador, ¿qué se puede esperar de su serie? Pues, como se suele decir en los titulares clickbait, la respuesta os sorprenderá

No todo es Ricky Gervais en After Life, pero casi

No nos engañemos. Con el cómico británico a los mandos, esperar una comedia sencilla para todos los públicos sería de idiotas. Pero esperar esta mezcla de humor negro con el drama más profundo que te puedas imaginar, estaba lejos de lo que yo podía imaginar.
Por si estás leyendo esto y desconoces de que va la serie: es la historia de Tony, personaje interpretado por Gervais, un hombre de mediana edad, con un trabajo mediocre y poco satisfactorio, que acaba de perder a su mujer por un cáncer y sólo ve su propia muerte como una solución a su tristeza. Intenso, ¿eh?

Con esta sinopsis, la cosa ya pinta de otra manera. Y es que After Life es un puñetazo directo al estómago. Ver a Tony apalancado en la cama o el sofá, bebiendo y viendo los videos que su esposa (Lisa) dejó grabados durante su tratamiento de quimioterapia hace que se te haga un nudo en la garganta y te preguntes si realmente quieres seguir viendo esta serie.
Y ojo, no es un dramatismo forzado buscando la lágrima del espectador. Quizás en algunos momentos se roce ese punto, pero la sensación que queda no es esa. Es simplemente un retrato cercano de alguien que ha sufrido una perdida y desconoce qué hacer con tanto dolor. Triste y soberbio a partes iguales.

Pero, ay amigos, estamos hablando de Ricky Gervais. Como decíamos en la introducción, el actor es famoso por algo diferente de sus dotes actuando. Y es que siendo una creación del británico hay humor negro, ácido, cínico y de todos los adjetivos que se os ocurra añadir a la lista. Y es genial, porque aunque se tenga el miedo de que pueda degenerar en algo muy bestia viendo el hilo conductor de la serie, resulta que generalmente la comedia aparece en el momento justo, en la medida justa y haciéndote reír a carcajadas.

Aunque hay que remarcar ese generalmente, que no está puesto al azar. No siempre se encuentra el tono adecuado en el momento adecuado. Yendo hacia la parte final de la serie, hay ocasiones en las que el humor eclipsa por completo al drama y ahí la serie cae en picado. Da igual lo desternillante que haya podido ser la gracia, en el momento que el humor sobrepasa al drama, el resultado deja mucho que desear. Lo que hace genial a la producción de Netflix es haber encontrado en la mayor parte de los capítulos ese perfecto balance entre el reir y el llorar, por lo que cuando la balanza se inclina demasiado hacia uno de los dos puntos, la cosa chirría y pierde calidad.

Ricky Gervais en estado puro y más allá

También inclina la balanza de la calidad los personajes que complementan el reparto encabezado por Gervais y su perro (si, tiene un perro y es bastante protagonista). Todos son fantásticos en el papel que les ha tocado en esta historia: Matt, el jefe blando; Kath, la compañera ingenua con sus creencias en el horóscopo y lo paranormal; Lenny, el compañero grandote y bueno de corazón… Todos ellos tienen un rol fundamental en la historia que gira por y para Tony y cumplen con actuaciones mucho más que correctas. Y, como el humor y el drama, con un tiempo en pantalla por lo general muy justo para gustar sin cansar.

Pero no son todos los que están. Hay personajes más secundarios, como el June y su hijo James, pero sobre todo Brian (David Earl) que en sus primeras apariciones resultan muy divertidos y le dan aire a la serie. Pero han ido más allá, han tenido más minutos frente a las cámaras del que era necesario y se acaban convirtiendo en minutos en los que desconecté de lo que ocurre porque son tan absurdos y me provocaban tan poco interés, que me aburrieron muchísimo. Y vuelvo a recalcar a Brian, del que me quedó la sensación que lo usaron para alargar el metraje y les salió el tiro por la culata.

Por último, hay que hablar de Ricky Gervais, auténtica estrella de After Life, con permiso del perro que le acompaña.
Gervais ha demostrado que no solo es un cómico brillante, sino que es un actor que puede ser tenido en cuenta para otro tipo de roles. Obviamente está lejos de ser una gran estrella en el firmamento de Hollywood, pero esa mezcla de comicidad y drama de la que hace gala toda la serie, ese papel de auto-destrucción, el uso del sarcasmo y cinismo… Ha sido una gran sorpresa verle actuar más allá de los monólogos, y encima hacerlo bien.

Eso sí, creo que decirlo está de más pero en cualquier caso quiero remarcarlo: si no eres fan de Ricky Gervais, olvídate. Puedes ignorar esta serie como si nunca hubiera existido.
Sí, como serie dramática es recomendable por todo lo que la compone y deja la puerta abierta a que cualquier tipo de espectador pueda llegar a ella, pero todo gira en torno a la figura del británico y su particular modo de ver la vida, que ya conoces si has visto alguna presentación o espectáculo suyo. Y si ya lo conoces, ya sabes si es para ti o no. Si hasta ahora no has entrado en sintonía con él, After Life no va a cambiar nada. Es más, es probable que lo repudies más si cabe por mezclar algo tan serio como la perdida, el luto y el suicidio con ese humor tan particular que le caracteriza.
Pero si sólo conoces el chiste de la edad de las novias de Leonardo DiCaprio y poco más, dale una oportunidad porque quizás pases unas horas de disfrute (bueno, ya me entendéis) frente a la televisión.

En definitiva, After Life es una serie recomendable, hecha por y para Ricky Gervais y sus fans pero que abre los brazos a otro público. Sí, es un dramón de muerte, autodestrucción y negatividad. Pero no deja de ser una obra del cómico británico y todo está envuelto en su humor y su particular manera de ver la vida, que, sabiendo qué comedia hace, deja poco espacio a la sorpresa.

Y, habiendo dejado pasar unos días desde que termino la serie de Saul y después de haber comenzado nuevamente a ver la historia de Walter White desde el inicio, creo que es más que correcto preguntarse si el spin-off ha superado en calidad a la serie original.

Respuesta corta: no.
Respuesta larga: no, pero…

Better Call Saul y todo lo que hace bien

Comencemos por el principio, que es poner en valor a Better Call Saul. Y es que estamos ante una de las mejores series de los últimos años desde que acabó Breaking Bad.

Vince Gilligan sigue al frente en la creación de esta historia y sigue siendo algo muy cercano a un genio cinematográfico. Toda la puesta en escena tiene una calidad y una personalidad única. Si ya en la serie madre el aspecto técnico era fantástico, desde la fotografía a la dirección, pasando por la banda sonora y una edición fabulosa, en la historia de Goodman todo se ha elevado.
El creador, con la colaboración de Peter Gould, ha llevado todo a un nuevo nivel. Ha mejorado en todos los aspectos y ha dotado a la serie de una personalidad propia más marcada todavía que en su anterior trabajo.

A esto hay que añadirle un guión que ni si quiera me siento capaz de analizar. Voy a pasar por alto el hablar del desarrollo de los personajes, de la dualidad del bien y el mal, si delincuente se nace o se hace, de como todas las decisiones de los protagonistas y antagonistas tienen un porqué y una explicación lógica. Voy a saltar todo eso, porque merece un artículo de cientos de palabras de los que ya hay multitud en internet.

También voy a pasar de puntillas por el buen hacer del reparto, porque no sorprende. Los Bob Odenkirk, Giancarlo Exposito y compañía ya los conocíamos. Pero si quiero remarcar a los actores que dan vida a Kim (Rhea Seehorn) y a Lalo Salamanca (Tony Dalton), ya que me parecen un descubrimiento fantástico y todo un acierto del casting, que debería ser recompensado con premios a mejor actuación en más de una gala.

Seehorn comenzó en la serie con un papel bastante secundario, me atrevería a decir que incluso estaba pensado para ser breve, pero poco a poco se fue comiendo la pantalla y terminó siendo co-protagonista de una serie que no lleva su nombre y ha derribado las puertas de una industria que, espero, le hará ganar fama y roles importantes de aquí en adelante.
En el lado del villano, Tony, tenemos a un actor que me recordó muchísimo a Jeffrey Dean Morgan en su papel de Negan en The Walking Dead. Un actor siempre bastante desconocido pero con un carisma para el papel que ha hecho que sea una verdadera lástima que no dispusiese de más minutos frente a las cámaras.

¿Y no es mejor que Breaking Bad?

Pero la cuestión es, si es tan buena técnicamente, en guión, los actores son tan geniales… ¿por qué no considerar que es un producto mejor que Breaking Bad?

Pues mi primer pensamiento fue algo muy básico: porque es el spin-off de una de las mejores series de todos los tiempos. Es decir: llegó tarde. Quien innovó, fue otra (que también se puede discutir su innovación).
Todo lo que Better Call Saul hace a un nivel más que sobresaliente, Breaking Bad lo hizo bastantes años antes. Todos esos planos tan geniales, esas canciones en esos momentos, esa creación y desarrollo de un personaje moralmente reprobable, etc. son una réplica más o menos acertada de algo que ya habían hecho entre 2008 y 2013 con la serie de Walter White. Y no basta con estar al mismo nivel cuando tu contrincante fue el pionero.

Pero como decía, este fue mi primer pensamiento. Y sigo pensando que es un pensamiento correcto, pero hay que añadir un matiz muy importante a la pregunta:
¿Ha superado Better Call Saul a Breaking Bad? No, pero porque no se puede superar a la misma creación. De echo, en ningún momento digo que Breaking Bad sea mejor.
La historia de Saul Goodman no es mejor ni peor que las 5 temporadas de Walter White, simplemente son la misma historia. Han cogido el universo que ya tenían creado y le han puesto un principio y un final.

Le han dado un principio creando un origen a los personajes más reseñables y de los que se conocía menos: la versión pringaillo eclipsada de Jimmy McGill a la sombra de su hermano, el policía corrupto con un sentido del honor algo particular que supone Mike, la versión más vulnerable de Gustavo Fring… Todo esto lo ignorábamos y nos hace descubrir el fondo y el historial de los personajes que ya conocíamos. Nos hace comprender mejor Breaking Bad.

Y los últimos capítulos de Better Call Saul, esas horas de blanco y negro, le dan el cierre definitivo a esta creación. Ya sabíamos que fue de Walter, Jesse, Mike y compañía. Pero ahora se han cerrado los pocos flecos sueltos que quedaban.

Todo siguiendo el mismo patrón, mismas técnicas, mismos puntos fuertes. Personalmente, he dejado de verlo como dos productos independientes y complementarios y he iniciado a verlos como una sola serie de dos partes.

Aunque siempre pondré ligeramente por encima a Breaking Bad

Y es que, aunque pueda haber sido al final mejor o peor serie en su conjunto, hay algo que es innegable a la serie basada en los libros de George R.R. Martin, y es que fue un producto de mucha calidad, en cierta medida arriesgado y del que se deberían de haber aprendido muchas lecciones que parece que han caído en saco roto. Yo quiero nombrar 3 de ellas, que son las que tanto he echado de menos en esta cuarta temporada de Stranger Things.

OJO, QUE VAN SPOILERS!

Lección 1: Los protagonistas también pueden morir

Si hay una cosa que me ha sacado completamente al final de la serie ha sido la falta de muertes. Oye, que uno no tiene especial fijación con que caigan algunos de los personajes principales de esta serie, pero hay momentos en los que no se puede justificar que todos sigan vivos. Sí, ha muerto Eddie, pero está lejos de ser un protagonista. De echo, es una fórmula usada en la temporada anterior: presentar un nuevo amigo de la banda que tenga recorrido durante una temporada y luego muere a manos del malo de turno. Pero no era esto lo que pedía la serie (y Millie Bobby Brown, por cierto).

Cuando un grupo de adolescentes se enfrenta al mismo diablo en persona y lo único que les sucede (al margen de Eddie) es que Max se lleva unos cuantos huesos rotos, es un poco absurdo. Y esto es algo que aprendimos de GoT: no pasa nada por matar a personajes principales. Es más, es positivo en muchas ocasiones. Creas situaciones a las que el resto de personajes tiene que hacer frente, evolucionar y te dan margen para introducir cambios en sus personalidades.
Y en este caso hablamos de Max, que ha ido ganando protagonismo poco a poco pero le falta ese vínculo con el espectador como puede tener el de los 5 actores principales. Pero también, en otras circunstancias, podían haberse quitado de encima al personaje de Will, que se ha convertido en un lastre al que no se le puede sacar más jugo y una muerte hubiese enriquecido a los demás protagonistas.

Lección 2: Piensa bien lo que estás a punto de contar

Decía el dicho (valga la redundancia) que «poderoso caballero es Don Dinero». En la TV esto lo llevan marcado a fuego en la piel.
No nos engañemos, Stranger Things mola mucho. Ninguna temporada ha dejado la sensación de haber perdido el tiempo viéndola. Pero que el chicle de su éxito lo han estirado más de la cuenta es también un hecho. ¿Qué tendría de malo que la serie hubiese terminado en la segunda temporada? Absolutamente nada. Habrías contado tu historia, tendrías una serie maravillosa que se despidió casi en el momento justo dejando tras de sí unos personajes carismáticos para siempre en la memoria colectiva.
Pero no, ya vamos por la cuarta temporada y nos queda la quinta. Uf, ¿no es demasiado?

Hay que saber qué historia quieres contar, desarrollarla, llevarla hasta el final y luego saber parar. Este es el punto clave: saber cuándo no hay más que contar y tener el valor de rechazar seguir estrujando la gallina de los huevos de oro. En este punto es donde más series modernas podemos meter como ejemplo: La casa de papel, El juego del calamar, Prison Break, Dexter…

Game of Thrones no es que supo parar a tiempo, es que se notó muchísimo cuando dejó de tener una historia que contar. En el momento que se acabaron los libros que servían de guía y que eran la fuente de todas los hilos de la serie, la serie pegó un bajón increíble de calidad y coherencia y levantó las crítica de una gran parte de los fans.
Cualquiera de las series que nombraba antes pecan de lo mismo: tienen una historia estupenda que contar y, una vez contada, siguen adelante dando palos de ciego y haciendo que la calidad del conjunto final del producto sea muy inferior a lo que debería.

Lección 3: El uso de los ritmos pausados

Conectado ligeramente con la lección nº2, está el uso de los diálogos pausados, los ritmos lentos y las largas escenas en las que parece que no ocurre nada pero está sucediendo todo.
¿Cómo se conecta con el anterior punto? Pues que George R.R. Martin lleva milenios escribiendo los libros de GoT y sabe qué uso tiene cada conversación y qué utilidad tendrá en el futuro. Sabe lo que representa cada palabra. Y los creadores de la serie de TV tuvieron con ello la biblia de cuando pausar el ritmo.

Ojo, no quiero darle todo el mérito al escritor, faltaría más. Benioff y Weiss (productores, guionistas y muchas más cosas de la adaptación) supieron plasmarlo todo en el formato televisivo y ya tenían los antecedentes de que era factible con el camino marcado que en su día dejaron Los Soprano o The Wire. Pero no todas las series saben seguir ese camino.
Y ahí entra de lleno la última temporada de Stranger Things. ¿Cuántos minutos del capítulo final son prescindibles? ¿Cuántos momentos de calma y diálogos «profundos» y largos son necesarios? Ese momento de pausa de cada personaje antes de llegar a un desenlace no siempre tiene que estar presente, puedes eliminarlo. Y más todavía si no aporta nada: ni a la historia, ni a la resolución, ni al personaje en sí.

Esto, que se acerca a lo que yo llamo «españoladas», es un somnífero directo al espectador que perderá completamente el interés por lo que está pasando en pantalla. Hay que saber bajar el ritmo en un guión sin perder a la audiencia y aportando al mismo tiempo «algo» a la narrativa.

En definitiva, me considero un gran fan de las producciones de HBO, pero estoy lejos de ser un defensor a ultranza de Juego de Tronos. Aún así, al César lo que es del César: la serie de los libros de R.R. Martin hizo muchas cosas bien, muchísimas. Y el resto de producciones de TV sólo tienen que mirar de reojo a lo que funciona y aprender un par de cosas para que tengamos una calidad muy superior en las próxima creaciones televisivas. Si, en la sencillez está la dificultad. Pero no siempre.

Después de la última película que vimos suya (Bird Box), también en un trabajo para Netflix, la verdad que le tenía bastantes esperanzas a la que estábamos por comenzar, pero nos dimos rápido cuenta de que no iban a ir por ahí los tiros.

Para no crear una incertidumbre innecesaria, empiezo por el final: dos personas dormidas en un sofá que se despiertan con los créditos finales de una película que han abandonado a la mitad (tristemente, cosa relativamente habitual) pero qué, a diferencia de otras ocasiones, esta vez saben que no retomarán donde lo dejaron para terminar el visionado porque les importa tres pimientos.

Y es una lástima, porque el filme tiene buenas ideas y cosas interesantes. Crean una tensión relativamente buena con el pasado de la protagonista, le van construyendo un futuro con un perturbado que le acecha a la vuelta de la esquina… Pero no conseguí tener ni un mínimo de interés en cómo iba a acabar todo porque Sandra Bullock está horrible.

Quizás sea solamente cosa mía, pero no puedo con los personajes / actores que su rol principal es poner mirada intensa, de tipo duro, de tener a sus espaldas únicamente un pasado de mierda y vagar por la historia haciendo únicamente eso. Sin nada que decir, solo perdonándote la vida con los ojos. No puedo. Es superior a mí.

Así que, cuando me cansé de ver a la actriz en ese rol, me dejé arrastrar a los brazos de Morfeo, sin arrepentimiento ni curiosidad de porqué se ventiló al Sheriff del condado o de como sería el reencuentro con la hermana, únicamente deseando tener una mejor idea para una noche de cine en casa la próxima vez.