Quiero hablar de otro tema manido que Miyazaki y su equipo ha sabido resolver de la mejor manera posible y de la que poco se ha hablado para la importancia que tiene: la dificultad.

FromSoftware y la dificultad de sus juegos

Como digo, la dificultad en los Dark Souls, Sekiro y compañía es algo tan viejo como el primer juego de la compañía japonesa. Personalmente, creo que sí son juegos muy difíciles pero que hacen algo extremadamente complejo y es que gusten y no frustren.
Si a día de hoy juegas al primer Metroid de mi querida NES, te aseguro que apagarás la consola antes de una hora y no la tirarás por la ventana porque tiene un gran valor económico y sentimental. Sin embargo, si juegas a Bloodborne por primera vez, el primer monigote con el que te cruces probablemente te aplastará la cabeza en dos segundos. Y alucinarás y te enfadarás porque un don nadie te ha hecho morder el polvo. Pero no te frustrarás.

Los juegos de FromSoftware tienen muy bien medida la fórmula de dificultad-frustración-recompensa. Al igual que en Metroid (y juegos de la misma época, en general) te frustra porque no te recompensa lo suficiente como para paliar la frustración generada, en Bloodborne, cuando has muerto contra ese primer enemigo, has visto tu error y sabes que es un fallo tuyo, no una «trampa» del juego. La próxima vez llegarás a vértelas con ese personaje y lo vencerás. O fallarás de nuevo, pero reconocerás cuál ha sido tu error.
La magia que han conseguido los de Miyazaki es que la frustración nunca llega a hacerse con el control, porque cuando estás a punto de llegar a ella, tú ya has aprendido lo suficiente como para vencer a ese enemigo. Y la alegría que te da esa superación personal hace que el contador de frustración baje nuevamente a cero (o casi).

Pese a todo, la fórmula no es perfecta. Cuando te enfrentas a un souls nadie te enseña como se tiene que jugar, no se paran a explicarte que tienes que aprender los patrones y movimientos de tus enemigos para poder acabar con ellos. Aprendes a golpes y muertes y eso si puede resultar frustrante, al menos la primera vez que juegas, y hacerte abandonar a las primeras de cambio llevándote bajo el brazo el discurso de «estos juegos son difíciles» (que es cierto) sin ver más allá (que también es altamente satisfactorio).

La cuestión es que este debate lleva años en las redes y, a cada nuevo lanzamiento de FromSoftware, el debate renace y vuelve a llenar hilos de Twitter y posts en diferentes webs. Con Elden Ring no iba a ser menos.

El modo fácil en Elden Ring

La magia de Elden Ring es que, aunque nadie te lo dice de manera explícita (como siempre), dispone de varios niveles de dificultad que puedes elegir para afrontar tu aventura.
Cuando llegas al Necrolimbo con tu sinluz, lo primero que haces es darte de bruces contra un jefe opcional, el Centinela Agreste, que te destroza en cuestión de segundos. Puedes intentarlo todas las veces que quieras, pero siendo un simple mortal no vas a conseguir acabar con él porque no tienes que acabar con él.

Tienes todo un mundo ante ti, abierto para que vayas al primer lugar que se te ocurra, y este boss que te ha dado la bienvenida te ha dado también una lección vital: no tienes el nivel suficiente para vértelas conmigo.
En mi partida, esquivé al caballero después de que acabase conmigo unas cinco veces. Recogí el primer mapa del juego, conseguí mi montura Torrentera y me fui al castillo del Velo Tormentoso. Sudé sangre para poder avanzar y completar esa zona, pensando que esta vez si se les había ido la mano con la dificultad. Aún así, más por cabezonería que por habilidad, conseguí seguir adelante. Llegué a Liurnia y más de lo mismo: más mal que bien continúo con mi aventura hasta que Rennala me hace ver que estoy en el lugar equivocado.

Cuando este jefazo me mató por vigésima vez, caí en la lección que me había enseñado el primer caballero con el que me encontré: este no es tu lugar. Y lo que hice a continuación fue desbloquear el modo fácil de Elden Ring.

En mi camino, había dejado sin explorar zonas que estaban pensadas para recorrer mucho antes: el Necrolimbo oeste, la Península del Llanto, Liurnia Oeste… Monté en Torrentera y puse rumbo hacía estas tierras inexploradas y tengo que decir que casi me resultaron aburridas, porque tenía mucho más nivel del recomendado para pasar por allí.
Los enemigos caían como moscas y los bosses conseguía derrotarlos a la primera. Era muy sencillo. Había descubierto el truco de FromSoftware para hacerte el juego fácil: sube de nivel, tienes todo un mundo para hacerlo, y avanza cuando te sientas lo suficientemente fuerte como para seguir adelante sin dificultad o con la que tú consideres adecuada.

En juegos anteriores como el citado Bloodborne esto no era posible. El recorrido es bastante lineal si comparamos con Elden Ring y no puedes desviarte para farmear runas que te permitan hacer a tu personaje más fuerte. En las Tierras Intermedias puedes ir a donde quieras y subir tus estadísticas hasta que te sientas cómodo.

Elden Ring: modo fácil, normal o difícil

Claro, también puedes pensar que vaya coñazo tener que estar matando a enemigos simplones para volverte más fuerte y que el juego te sea más fácil. Oye, pues Elden Ring te da otro selector de dificultad.
En el enfrentamiento contra el primer jefe del juego, Margit, veía que tal y como estaba afrontando el combate no podía hacerle frente. Cruzaba la niebla amarilla, le daba un par de golpes, rodaba y rodaba por todas partes, para acabar muriendo después de dos estacazos.
Entré en el inventario a ver si disponía de armas mejores o alguna solución. Me paré a investigar bien el tema de las cenizas de invocación, cosa que no había hecho hasta ahora.
Asigné las Cenizas de lobo solitario a uno de los accesos rápidos y en el siguiente intento contra Margit invoqué a los tres lobos (aunque lo llamen «solitario», vienen de tres en tres). Ahora era mucho más asequible.

Ya así, habiendo activado un nivel de dificultad más bajo, era mucho más fácil acabar con él y podría haberlo hecho, pero no tuve paciencia. Después de dos o tres intentos fallidos me paré frente a la niebla e hice uso de las runas que había en el lado derecho que te permiten invocar a un cooperante, en este caso al Hechicero Roger, una suerte de espíritu que luchará a tu lado contra el jefe de turno.
A la primera. Mis escasas habilidades + las cenizas + el cooperante = nivel muy fácil. Había pasado de darle dos espadazos a Margit a acabar con él en el primer intento.

Es decir, para acabar con el jefe de esta zona disponía de varias opciones. O seguía intentando el milagro de acabar con él con mi nivel insuficiente, o volvía atrás a subir estadísticas para estar a la altura, o pedía las diferentes ayudas que Elden Ring pone a tu disposición para que no te atasques más de la cuenta.

Lo sé, esto sigue sin ser un clásico selector al comenzar el juego, pero este es el camino que tiene FromSoftware para darte diferentes opciones para que puedas hacer frente a Elden Ring sin que desesperes. 
Miyazaki no va a darte a elegir nunca entre fácil, normal y difícil. Este estudio lo que va a hacer en enseñarte diferentes modos de acercarte al juego de manera que siga siendo un desafío, pero uno que se adapte a tus habilidades y a tu paciencia. Integrar todo en las propias mecánicas de Elden Ring me parece increíblemente sencillo y complejo a partes iguales.
Le han dado a los jugadores lo que llevaban años pidiendo, pero siendo fieles a su filosofía. Sus juegos siempre serán complicados, pero se han sabido adaptar y poner al alcance de la mano un modo fácil. A la manera FromSoftware, por supuesto.

En estos últimos días he visto dos películas de las que se van perfilando para llevarse varias nominaciones. Una de ellas es Anora, la cinta dramática-romantica del director de The Florida Project (una maravilla), que me pareció fantástica y muy recomendable, aunque está lejos de ser una ganadora de estatuilla a la mejor película del año.
La otra es de la que voy a escribir estas pocas líneas y que me es difícil de catalogar: The Substance, una sátira-gore, con una media hora de cine de serie B llena de excesos.

The Substance, comenzando con buen pie

La premisa de la película es sencilla: Elisabeth Sparkle es una estrella de Hollywood que ya pasó sus años dorados y, ahora que ronda las cincuenta primaveras, ve como su fama se va apagando y la industria la va dejando de lado buscando sangre fresca. Ella, interpretada por una Demi Moore que ya se ha llevado premios menores en los últimos meses por su papel, se pone en contacto con alguien que le promete disfrutar de una nueva juventud desdoblándose de manera literal, pero con unas reglas muy estrictas que cumplir para que todo funcione bien (tienen que hacer cambio cada siete días, sin excepción, ya que no pueden coexistir las dos a la vez).
Su joven alter ego, Sue, rol a cargo de la maravillosa Margaret Qualley, siente ese estrellato, esa fama y esos focos que ya había perdido y poco a poco va rompiendo las reglas y robándole un tiempo a Sparkle que le acarreará consecuencias en su físico.

Al final, The Substance es un mensaje potente a la par que sencillo (juventud, belleza, físico y fama), con dos actrices que pueden encarnar a la perfección lo que quieren contar por sus respectivas historias dentro de la industria y los momentos actuales de sus carreras.
Toda esta premisa está rodada y llevada a cabo de una forma magistral, con un toque mitad tecno, mitad capítulo de Black Mirror.

La música te taladra el cerebro y se queda ahí durante días; la fotografía, con esos planos cercanos, esos colores tan vivos y el uso de la cámara lenta te hipnotiza (más allá de culos y tetas, que hay para aburrir), las actuaciones de todos los personajes es fantástica… La mejor muestra de todo esto son los primeros minutos cuando nos presentan al director del programa con un plano fijo en un cuarto de baño. Esa escena, si le añadiésemos sangre a raudales, sería un ejemplo perfecto de lo que nos va a dar la película.

La sustancia que hizo volar todo por los aires

La película dura unas dos horas y veinte minutos. Podríamos decir que los primeros cien minutos de The Substance son perfectos en forma y fondo y encajan en la definición (si es que existe) de sátira-gore. Es una gran película, muy buena candidata a los Oscar en varias categorías hasta la escena en la que el personaje de Demi Moore se arrepiente de algo que está haciendo (no quiero entrar demasiado en spoilers) y la directora pierde completamente la cabeza y comienzan 30 minutos de un espectáculo lamentable, lleno de excesos y en el que no pude cerrar la boca ni un solo instante, ya fuese porque no podía dar crédito de lo que estaba viendo o bien porque estaba riendo a carcajadas.

En ese preciso momento de la cinta, comenté en tono jocoso «ahora comienza un combate de karate a muerte» y solo diré que no iba muy desencaminado. Y eso era solo el principio.
Esa última media hora es un manual detallado de como tirar por los aires un gran trabajo, una película que podría aspirar a todo en la gala más famosa del mundo del cine y que prefiere dejarse llevar por la locura y abusar del gore, del absurdo y del peor cine de serie B. Parece el resultado de una noche de sustancias de fiesta en la que alguien dijo «¿a que no hay huevos?» y otro contestó «¿que no? Sujétame el cubata».

En definitiva, pensar en The Substance es recordar casos como Prison Break, que tiene una primera temporada increíble y luego se diluye hasta acabar dando vergüenza ajena.
Esta película lo tenía todo para ser una de las mejores del año y termina siendo una parodia de cine gore y serie B. Pese a todo, Margaret Qualley, Demi Moore y el guión pueden optar a estatuilla. Además, recomiendo verla y que cada uno haga el juego/ejercicio de imaginar qué cierre le habría puesto a la historia.

OJO SPOILER – Yo habría hecho que Sue matase a Elizabeth cuando la despierta y que hubiese ido a la televisión, mientras poco a poco empieza a sangrar y se empieza a deshacer hasta que termina muriendo en directo, marcando un record de audiencia. Al final, el final de los personajes es el mismo, con la diferencia de que yo no estaba borracho cuando lo pensé.

Podría decir que algo similar me ha ocurrido con Joker: Folie à Deux, pero en el sentido opuesto. Una secuela claramente innecesaria, un cambio de género que huele que apesta, pocas semanas en cartelera y uno de los grandes batacazos en ingresos y crítica de la historia reciente. Obviamente, las ganas que tenía de ver la segunda parte del Joker eran casi solo por el morbo y porque no podía creerme que Phoenix y Lady Gaga se embarcaran en este proyecto si no hubiera algo a lo que agarrarse.
Este fin de semana me animé y, aprovechando que ya está disponible en plataformas, salí de dudas con Joker: Folie à Deux

Por partes: Joker: Folie à Deux como película

Creo que es fundamental a la hora de hablar de esta cinta el separar la película como producto único e independiente de su papel como secuela. Porque algo puede funcionar bien en un contexto y ser un disparate fuera de él, o viceversa.
En este caso, quiero pensar que uno de los grandes problemas que ha tenido Joker: Folie à Deux ha sido precisamente ese, el ser la secuela de un gran éxito.

El filme, si lo tomamos como musical (no siendo un género que entienda en exceso ni valore demasiado) es bastante correcto. Los momentos de canciones están bien integrados, tanto Joaquin Phoenix como Lady Gaga están brillantes y la historia, aunque es un poco insulsa si no tenemos en cuenta el trasfondo del personaje del Joker (ahora me explicaré mejor), funciona por si sola.

OJO QUE VOY CON SPOILERS GORDOS

¿Qué falla de manera estrepitosa? El final con el que han elegido cerrar la historia, que ha sido una de las cosas más criticadas por los detractores de la cinta.
Obviamente es muy subjetivo, pero ese apuñalamiento por un personaje aleatorio que interrumpe el que debería haber sido otro desenlace, me ha dejado un sabor amargo. Da la  sensación de que no han sabido/querido mancharse las manos con algo que tuviera una conexión con el resto de la película. Es un cierre anticlimático, similar al sueño de Antonio Resines en Los Serrano.

Hace relativamente poco se hizo viral un video en el que han leído los labios en una conversación entre Phoenix y Lady Gaga en el estreno de Joker: Folie à Deux en el festival de Venecia. Según este video, Joaquin Phoenix no sabía que ese era el final elegido por el director Todd Phillips y no era el acordado entre ellos, ya que se habían rodado tres diferentes para evitar posibles spoilers y filtraciones.

#JoaquinPhoenix no pudo resistirse y le dijo a #LadyGaga sobre lo que pensaba acerca de #Joker 2 enfrente de todos
¿Estás de acuerdo con el? pic.twitter.com/UjyGI3NLFj

— Juanito Say (@JuanitoSay) October 7, 2024

Pero, ¿qué ocurre cuando vemos esta segunda parte como eso, como la secuela de otra obra? Incluso cuando intentamos jugar a leer la mente de Todd Phillips, el director. Ahí la cosa es más complicada.

Joker: Folie à Deux como secuela

El reto con las secuelas es lidiar con las expectativas. Si nos quedamos con el vistazo superficial que puede haber tenido una gran parte del público, todavía nos estamos quitando la sangre de la cara después del tiro en la cabeza con el que se cierra el primer Joker, por lo que ¿a santo de qué se van a poner ahora a cantar? ¿En serio se ha enamorado en la cárcel?
Si nos sumergimos un poco más y quitamos la polémica del musical, podemos encontrar que todo encaja a la perfección.

Toda la historia de este nuevo Joker gira en torno a esa dualidad entre Arthur, el pobre desgraciado que es humillado y maltratado y no consigue realizar sus aspiraciones vitales, y el Joker, ese líder de masas carismático y que es capaz de iniciar una revolución si quisiera (y también sin quererlo).
Este Joker: Folie à Deux se distancia drásticamente del primero al que amaron los fans igual que Arthur quiere distanciarse de su alter ego, cómo se ve en el juicio (quizás la mejor parte de la cinta). Es como si Todd no quisiera seguir ese camino de locura y violencia y lo lleva a un terreno donde refugiarse con la música y el romance para, finalmente, acabar asesinándolo en una clara declaración de intenciones: el Joker no va a volver, reniego de él.

El personaje de Harley Quinn (Lady Gaga) refuerza este enfoque: hacer cualquier cosa, incluso ingresar en prisión, para estar cerca del personaje que me encandiló con su locura, y le dejo de lado cuando el Joker deja de ser él para ser simplemente Arthur.

¿Por qué Joker: Folie à Deux es un musical?

Quizás sea la gran cuestión en torno al Joker. ¿Por qué no hacer una película centrada en el juicio y nos dejamos de complicaciones? ¿Cómo encaja la música en el personaje de Arthur?

Para lo primero, creo que ya ha quedado claro: poner el foco exclusivamente en el juicio habría sido dar a los fans lo que querían, seguir el camino fácil de este personaje, dejarse llevar por la locura del Joker.
Para lo segundo, solo hay que seguir el hilo. En la primera parte, el personaje de Phoenix huye de su realidad intentando refugiarse en la comedia. Él quiere ser un payaso, quiere ser artista, quiere dejar de ser ignorado. Su descenso a la locura le lleva por esos derroteros.

Aquí seguimos descendiendo ese camino, el camino de huída de ser un don nadie. La música le lleva a Harley, que le admira y le hace sentir querido. Y a ello se agarra, como a un clavo ardiendo. Las escenas en las que canta, tanto solo como acompañado de Lady Gaga, se ve un Arthur disfrutón, contento y alejado del Joker. Cantando es alguien sin necesidad de ser Joker.

Esta sería, para mí, la razón argumental. Pero, ¿aparte de eso? Bueno, siendo simples: no había mejor manera de romper con el personaje por parte de Todd y Phoenix que haciendo este triple mortal hacía atrás. Y, si eso no vale, pues lo rematamos al final. Por si las moscas.

Resumiendo la idea general, entiendo que no guste Joker: Folie à Deux y que el público y la crítica se hayan puesto en contra, pero está lejos de ser el desastre que se vende.
Personalmente, me ha entretenido y me ha gustado. Es más, me gustaría hacer pronto una doble sesión con las dos películas seguidas, creo que le daría otra perspectiva diferente a este Joker.

Aún así, ¿es extraña? Como un perro azul. ¿El final podría ser mejor? Sin duda. ¿Es una mala película o secuela? Para nada. Solo hay que dejarse llevar un poco.

Perfect Days, relájate y disfruta

Perfect Days es una historia muy sencilla: sigues la rutina del día a día de un hombrecillo japonés llamado Hirayama. Se despierta con el sonido del barrendero de su calle, se acicala con mimo, cuida de sus pequeñas plantitas, coge un café de la máquina expendedora que hay frente a su puerta, monta en su coche para ir a su trabajo de limpiar los baños públicos de Tokyo, elige la banda sonora para el trayecto en una cinta de cassette, cuando termina la jornada laboral visita un sentō (baños públicos tradicionales japoneses) para estar limpio y, de allí, a cenar a uno de sus lugares de confianza a cenar, para terminar el día leyendo un libro de un dólar hasta quedarse dormido en su futón.
Los fines de semana cambia ligeramente, pero tampoco te voy a contar la vida de Hirayama en detalle, te dejo que descubras una parte de él por tu cuenta.

La cuestión es que, a grandes rasgos, esa es la película. Obviamente hay una pequeña trama, hay más personajes con los que interactúa y hay una cierta evolución, pero personalmente creo que importa más bien poco.
Ver Perfect Days es sentarse en el sofá bajo una manta, una taza de café y tu libro favorito en las manos o el vinilo de tu grupo de música preferido en el tocadiscos. Es ver la tarde lluviosa pasar por la ventana sin nada más que hacer que disfrutar de esa tranquilidad y la paz del momento. Es, en una conexión japonesa, un libro de Murakami: rutina, detalles, ritmo pausado.

Claro, no todo el mundo está dispuesto a esta experiencia durante algo más de dos horas. No todos los días son ideales para el plan propuesto por Perfect Days. Hay días que necesitas a John Wick.
Pero, si encuentras el momento, si necesitas vaciar la cabeza y encontrar orden mental, la película de Wim Wenders es un «diez de diez«.

En los primeros minutos del primer capítulo ves aparecer a Jorge Ponce (la mente detrás del documental), Andreu Buenafuente, Joaquín Reyes y otras celebridades de la televisión y el cine español, relatando como Antonio Medina, un hombre de mediana edad, calvete y con barba, se ha acercado a ellos en algún momento de sus vidas, intentando hacerles recordar que han trabajado juntos en algún proyecto, que él era cámara y que la vida no le ha ido del todo bien, sobre todo a raíz de una desgracia random que le ocurrió a su hija. Se despide de ellos para, pocos segundos después, darse la vuelta y pedirles si pueden echarle una mano con algo de efectivo, argumentando alguna excusa inventada en el momento.

La verdad es que la cosa inicia bien, tiene buena pinta. El problema es que no sabes cómo una historia así puede estirarse durante los cinco capítulos que forman esta serie, pero rápidamente comienzas a descubrirlo.

A la caza de Antonio Medina, ¿o quizás no?

Jorge Ponce nos presenta el HUB, la oficina que van a utilizar como centro neurálgico para las operaciones de investigación que llevarán a cabo para encontrar a Antonio Medina, el estafador. Ya aquí comienzas a plantearte qué cojones estás viendo: revistas pixeladas por una excusa absurda, dos personas del equipo con la cara oculta por una historia (y una explicación) demasiado chistosa, una criptomoneda gigante como decoración de la oficina…

Esto da paso al inicio de la investigación propiamente dicha. Una búsqueda y captura de Medina que, poco a poco, va quedando en segundo plano y termina sepultada bajo una buena cantidad de subtramas que, durante los cinco episodios del documental, nos transportan al humor más disparatado de un Jorge Ponce en su salsa. Detectives que te estafan, la obtención de la distinción de una producción «verde», las disputas con Ángela (directora de producción) por el coste de la grabación… Cualquier cosa vale para arrancarte las carcajadas. Incluso la aparición del fantástico Juan Muñoz que, para mí, tiene el momento más divertido de toda la serie.

Pero entonces, ¿qué hay de true crime en todo esto? Pues después de haber visto los créditos finales, todavía no lo tengo claro. Es parte del encanto de la serie: moverse en esa línea en la que no logras distinguir qué es cierto y qué es simplemente un producto cómico.
Que existe un Antonio Medina y que hizo esa estafa a famosos parece ser que es verdad. Existen los tweets de Carlos Jean, existen las noticias en los periódicos y existen, entre otras cosas, testimonios que no están recogidos, como la experiencia que Antoni Daimiel contó en el programa de YouTube Colgados del Aro.

¿Es verdad la historia de Antonio Medina?

¿Realmente existió la búsqueda de este personaje? Ahí ya no hay ninguna certeza. La serie te muestra (más o menos) a un Antonio Medina. Jorge Ponce se sienta a hablar con él y mantienen una conversación nuevamente absurda a niveles de Faemino y Cansado.

Pero la realidad es que no importa si lo que has visto es más o menos real. Lo que has visto es uno de los primeros (si no el primero) documentales absurdos: han cogido una premisa real y la han retorcido para darte unas tres horas de humor disparatado, donde sólo importa pasarlo bien y dejarse llevar.

Como dice el propio Ponce al final del documental: todo es verdad y mentira a la vez.

Me reenganché a mitad de la generación de Xbox 360. Me reencontré con esta pasión y, desde entonces, he sido bastante fiel a Microsoft y sus consolas. Pasé por Xbox 360 S cuando apareció el circulo de la muerte en mi vieja 360 y después aterricé en Xbox One S. Por aquellos entonces ya me hice también con una PlayStation 4 y empecé a coleccionar videojuegos de una manera más «seria». Luego llegó Switch.
Y cuando se anunció la nueva generación, tenía claro que mi primera parada sería PlayStation 5. No porque no me gustara Xbox, sino porque Series X no tenía nada en su catálogo que me atrajera lo suficiente, salvo por un título: Starfield.

Starfield como punta de lanza de Xbox

El nuevo título de Bethesda, la flamante y reciente adquisición de los de Vermont, prometía ser el primer gran estandarte de Microsoft para esta generación, un juego que justificaría la compra de la consola. Pero, aunque su premisa era increíble y las expectativas estaban por las nubes, no me convencía lo suficiente para dar el salto. Sin embargo, a principios de 2024, con el panorama mejorando para Xbox, me encontré con una oferta irresistible: una Xbox Series X junto con Starfield a un precio inmejorable. Así que, decidí darle una oportunidad.

Starfield empieza de manera prometedora. El editor de personajes es profundo, y el tutorial está bien integrado en la narrativa. Las primeras misiones principales te sumergen en el universo, y todo parece funcionar a la perfección. Sin embargo, la ilusión empieza a desmoronarse rápidamente.

A medida que avanzas en la historia principal, las misiones empiezan a repetirse: ve a una base, elimina a los enemigos, recoge un artefacto con el mismo puzzle de lucecitas una y otra vez, llévalo a tu central y vuelta a empezar. La monotonía de estas tareas no sería tan grave si los planetas que visitas fueran interesantes o diversos, pero no lo son. Después de explorar un par de ellos, queda claro que hay poca variedad. Lo que debería ser una exploración emocionante del espacio se convierte en una rutina tediosa.

Afortunadamente, no todo es negativo en la primera mitad de Starfield, hay puntos muy brillantes. Las líneas argumentales de las facciones son mucho más interesantes que la trama principal. Hay más variedad e historias detrás que te atrapan y te hacen seguir avanzando. Tienes varías horas de diversión aseguradas.
También están todas las misiones secundarias que prácticamente se activan caminando por las pocas ciudades que hay: oyes una conversación entre dos NPCs y ya tienes algo nuevo para hacer. Aunque pueden saturar tu mapa con iconos y listas de tareas, estas misiones adicionales ofrecen distracciones interesantes.

¿Qué falla en Starfield?

Entre misiones principales, secundarias e investigación random que puedes llevar a cabo, seguramente te juntas con un montón de materiales para crear tus propias armas y trajes espaciales pero, ¿sabes qué? Da completamente igual.

Sí, no importa lo más mínimo todo tu inventario porque las propias armas y trajes que obtienes como recompensa o saqueando a los tipos que acabas de abatir son mucho mejores que lo que puedes construir por tus propios medios. Además, el camino que te lleva hasta desbloquear la opción de crear armamento (si, se desbloquea como una habilidad más) te quita las ganas de querer llegar a ese punto. Son varios puntos de habilidad a consumir y varios retos que superar para abrir el camino a los niveles necesarios dentro del árbol de habilidades.

Así que te encuentras explorando planetas vacíos que no aportan nada, recolectando materiales que solo te harán pelearte con los kilos que puedes cargar e intentando construir un equipo que nunca será tan bueno como el que obtienes como botín. Estos problemas no son cuestiones que Starfield pueda arreglar con parches; son defectos fundamentales en el diseño del juego, en su concepción inicial. Y eso sin entrar en el tedioso sistema de viaje por la galaxia, del que ya se ha escrito demasiado.

Dicho todo esto, al César lo que es del César: Starfield mejora significativamente en su segunda mitad.
Aunque los problemas mencionados persisten, la historia principal se despereza pasado el ecuador, finalmente coge ritmo y te da las horas más divertidas del título y te lleva hacia un desenlace muy particular que da paso al gran punto fuerte del juego: el New Game+. Puede sonar extraño decir que la mejor parte de un juego es lo que sucede después de terminarlo, pero en el caso de Starfield, es cierto. El New Game+ está tan bien hilado y te ofrece tantas mejoras a todos los niveles, que la primera vez que lo juegues recomiendo ir casi en exclusiva a por la historia principal.

Xbox, ¿a qué estás jugando?

Starfield no es un mal juego, pero tampoco es el gran título que se esperaba. Hay una escala de grises entre medias, que parece olvidada en los videojuegos, que es donde se situaría.
Yo pese a todo, pese a querer abandonarlo varias veces, me terminé divirtiendo, pero tienes que hacer la vista gorda con demasiadas cosas.
Bethesda y Microsoft lo presentaron como el nuevo buque insignia de Xbox, un título que marcaría el inicio de la generación y todo un vende-consolas, pero no ha alcanzado ese nivel. Y eso es una mala noticia tanto para Bethesda como para Xbox, porque la plataforma sigue adoleciendo de falta de exclusivos que realmente justifiquen su compra.

Si echamos la vista atrás, la división de Xbox da la sensación de que va dando bandazos intentando encontrar un rumbo que se les resiste y tomando decisiones más que cuestionables cuando parece que pueden acercarse a un camino tranquilo.

Todavía escuece la cancelación de un Scalebound que tenía una pinta increíble. Y ni hablamos del cierre de Tango Gameworks, los creadores del exitoso Hi-Fi Rush que encadenó dos tweets de manera surrealista en menos de una semana: «gracias por todo el reconocimiento y este premio tan guapo» y «nos han echado el cierre, hasta la vista».
Son movimientos que duelen y cuesta entenderlos porque Xbox está falta de exclusivos (aquí un fiel defensor de las exclusividades por plataforma) y Scalebound podía haber sido un revulsivo en ese aspecto. Y porque ellos mismos quieren títulos doble A que cuesten poco y ganen premios y alabanzas de la crítica como ¡oh, sorpresa!: Hi-Fi Rush.
Mientras tiran esas ocasiones por la borda, han apostado a un Starfield que tenía papeletas para ser un nuevo estandarte y se ha quedado al borde del chasco absoluto.
Todo esto, lanzamiento y vida de Starfield mediante, plantea incertidumbre en el futuro de Xbox.

Las exclusividades que están por llegar no serán tan exclusivas, al menos a largo plazo, si nos atenemos a lo ocurrido con Indiana Jones. De primeras era uno de los títulos intocables en lo que a exclusividad se refería y en su última aparición confirmó su llegada a PlayStation 5. Y que no nos engañen los números que haga este título cuando salga, porque pase lo que pase lleva en el título una gran marca que venderá  por si sola.
Si ampliamos la vista, atrás quedó Hellblade 2 (en números, otro chasco, y no hablo del tema versiones físicas de los juegos actuales); Avowed está por ver qué tal saldrá; Fable o S.T.A.L.K.E.R. 2 son juegos más de nicho… Nos quedan los de siempre: Forza, Halo y Gears of War. Innovación al poder.

¿Nos lo jugamos todo a la carta del Game Pass? Mala pinta tiene, porque las cifras que querían alcanzar y las que tienen actualmente están bastante lejos una de otra. Hay que considerar también la relativamente reciente subida de precios, porque eso es un agujero negro de dinero y de alguna manera se tiene que amortizar.
Además, resulta un sistema contraproducente ya que canibaliza los números de venta de los exclusivos de Microsoft al estar prácticamente todos disponibles de día 1 en la plataforma.

Puede que todo pase por convertir la marca Xbox en un simple creador de software y olvidarse de las videoconsolas. Personalmente, es la lectura que hago de las últimas declaraciones que ha ido haciendo Phill Spencer en los medios. Centrar los esfuerzos en XCloud, el servicio de juego en la nube, y prescindir del hardware, que da más penas que alegrias.

Sea como sea, habrá que estar atentos y seguir disfrutando de todo lo que puedan darnos el equipo de Microsoft, Bethesda y compañía.

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De esta tenía muy poquitas referencias. Como digo, sé que había pillado algún premio en uno de los festivales de cine y quien era el protagonista, pero poco más. Y me he llevado un par de sorpresas.

El racismo, las voces y los acentos

Uno de mis descubrimientos de este pasado año 2023 fue el podcast No hay negros en el Tibet. Lo descubrí por casualidad, por un pequeño fragmento de video de uno de sus programas que me apareció en mi timeline de Twitter (ahora X). En este video aparecían tres personas negras, los tres presentadores, y uno de ellos, el rapero Frank T, comentaba algo de un anuncio en un periódico en el que decían «se buscan voces negras». A raíz de eso, él comentaba a sus compañeros Asaari Bibang y Lamine Thior como la gente que solo le ha escuchado sin verle se pensaban, por su voz, que era un señor tipo Iñaki Gabilondo y luego, cuando le conocían en persona, se sorprendían. Añadía además que qué coj*nes es una voz negra, que cuál es la diferencia de una voz negra y una voz blanca.
Me llamó mucho la atención ese corte. Busqué el podcast en Spotify y me tragué todos los programas en poco más de un mes.

Ese fragmento, ese pequeño video en Twitter me hizo recordar una película regulera que parte de una gran idea que se llama Sorry to bother you (Perdona que te moleste, en su traducción en España). Esta peli habla de un vendedor telefónico negro, Lakeith Stanfield, que viendo que no vende ni agua en el desierto, decide cambiar su acento natural por un acento de blanco y, así, comienza a vender seguros (o lo que vendiese) como pan caliente.
Sé que es diferente la premisa de la película respecto a lo que comentaban en No hay negros en el Tibet, puesto que en Sorry to bother you se trata únicamente el tema del acento, que en el inglés americano tiene una gran diferencia entre blancos y negros. Nada biológico, simplemente acento. Pero la conexión existe.

En todos los episodios del podcast, he aprendido muchísimo escuchando a su trio protagonista. Hablan mucho de lo distorsionada que está la visión de las personas blancas respecto a lo que tienen que vivir las personas negras en una sociedad blanca en su día a día.
El tema de la voz es un ejemplo claro. El simple hecho de decir «busco una voz negra» a día de hoy me parece surrealista. Como dice especialmente Lamine, me he deconstruido muchísimo y ahora creo que soy capaz de notar este tipo de situaciones.
Siguiendo con las voces, lo comenta en el mismo capítulo Asaari: «yo he llamado para ver un piso y hasta me han dado cita. Luego he llegado allí y ya nada, pero la cita me la dan».

Los blancos hemos «aprendido» que los negros tienen una voz diferente, que el acento que tienen los africanos hablando en castellano es una «voz negra» y no hay nada más distante de la realidad. Sorry to bother you coge ese hilo de los acentos de colores y lo lleva a la comedia más absurda, pero el tinte racista sigue ahí.

La cuestión es, ¿pero esto no va de American Fiction? Efectivamente y sí.

American Fiction y el racismo

Para quien no haya visto American Fiction y ande desubicado, esta nos cuenta la historia de un escritor negro (Jeffrey Wright) que está un poco cansado de que sus trabajos no tengan una gran repercusión, de echo que ni tan siquiera se lo compren las editoriales, mientras que novelas más populistas se lleven todos los focos. Fruto de esta frustración, una noche de whiskey y creatividad decide parir un libro bajo un seudónimo, a modo de broma y crítica, en el que plasma todos los estereotipos existentes de la sociedad afroamericana. Para su sorpresa, a las editoriales les ha flipado el libro y le ofrecen todo lo que pida y más.

Él, lejos de parar su peculiar broma, decide seguirles el juego y caricaturizar a su álter-ego hasta límites insospechados y tensar la cuerda a ver hasta donde están dispuestos a llegar los blancos.

En cierto momento de la película, dice algo así como «el libro (y el autor) tiene todo lo que los blancos quieren de los negros«. Esta fue la frase que me hizo cambiar el chip con el que estaba viendo American Fiction. Ese fue el punto en el que Jeffrey Wright se entrelazó en mi cabeza con Lakeith Stanfield y el trío de No hay negros en el Tíbet.

La candidata al Óscar es la versión tragicómica y, porque no decirlo, bien hecha de Sorry to bother you. Coge el argumento de «lo que los blancos esperan/creen saber de los negros» y lo lleva a una crítica fantástica que no tiene desperdicio.
Estoy seguro de que Frank, Asaari y Lamine le dedicarán mucho tiempo a esta cinta porque es un resumen de dos horas de lo que ellos llevan hablando tres temporadas: lo que el blanco piensa no tiene porque ser realista, es más, probablemente sea bastante racista.

La película de Jeffrey Wright corre el peligro de quedarse en la superficie más cómica de la situación (las llamadas con la editorial son realmente cómicas), pero el trasfondo crítico y social es evidente y da para reflexionar mucho. Al igual que nos hemos acostumbrado a que la expresión «una voz negra» pase como algo normal, estamos habituados a mil estereotipos de los afroamericanos que Hollywood nos ha metido con calzador en todas sus películas y que, si no vemos eso a lo que estamos acostumbrados, no nos parece realista. Y nosotros, desde nuestra perspectiva blanca, lo calificamos como irreal, demasiado inventado y mil calificativos más que solo son correctos desde nuestro prisma, pero nos olvidamos de que la realidad negra puede ser muy diferente a la nuestra y que el cine es solo cine. A veces reflejo de una realidad, a veces puramente ficticio.

Si bien medio-citaba antes la frase que me hizo cambiar el chip, la que definitivamente hizo que se me cayesen los huevos al suelo me diera la risa nerviosa, a medio camino entre qué maravilla y qué vergüenza ajena, y con la que quiero cerrar este texto, es una escena en la que se plantea que hay que tomar una decisión por votación entre unos personajes blancos y negros. Cuando se llega a la conclusión de que los blancos se llevan el gato al agua, puesto que son mayoría respecto a los afroamericanos que votan, uno de los ganadores dice la frase que, tomándola con ironía, define toda la película: «En este momento es crucial escuchar las voces negras».

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