En estos últimos días he visto dos películas de las que se van perfilando para llevarse varias nominaciones. Una de ellas es Anora, la cinta dramática-romantica del director de The Florida Project (una maravilla), que me pareció fantástica y muy recomendable, aunque está lejos de ser una ganadora de estatuilla a la mejor película del año.
La otra es de la que voy a escribir estas pocas líneas y que me es difícil de catalogar: The Substance, una sátira-gore, con una media hora de cine de serie B llena de excesos.

The Substance, comenzando con buen pie

La premisa de la película es sencilla: Elisabeth Sparkle es una estrella de Hollywood que ya pasó sus años dorados y, ahora que ronda las cincuenta primaveras, ve como su fama se va apagando y la industria la va dejando de lado buscando sangre fresca. Ella, interpretada por una Demi Moore que ya se ha llevado premios menores en los últimos meses por su papel, se pone en contacto con alguien que le promete disfrutar de una nueva juventud desdoblándose de manera literal, pero con unas reglas muy estrictas que cumplir para que todo funcione bien (tienen que hacer cambio cada siete días, sin excepción, ya que no pueden coexistir las dos a la vez).
Su joven alter ego, Sue, rol a cargo de la maravillosa Margaret Qualley, siente ese estrellato, esa fama y esos focos que ya había perdido y poco a poco va rompiendo las reglas y robándole un tiempo a Sparkle que le acarreará consecuencias en su físico.

Al final, The Substance es un mensaje potente a la par que sencillo (juventud, belleza, físico y fama), con dos actrices que pueden encarnar a la perfección lo que quieren contar por sus respectivas historias dentro de la industria y los momentos actuales de sus carreras.
Toda esta premisa está rodada y llevada a cabo de una forma magistral, con un toque mitad tecno, mitad capítulo de Black Mirror.

La música te taladra el cerebro y se queda ahí durante días; la fotografía, con esos planos cercanos, esos colores tan vivos y el uso de la cámara lenta te hipnotiza (más allá de culos y tetas, que hay para aburrir), las actuaciones de todos los personajes es fantástica… La mejor muestra de todo esto son los primeros minutos cuando nos presentan al director del programa con un plano fijo en un cuarto de baño. Esa escena, si le añadiésemos sangre a raudales, sería un ejemplo perfecto de lo que nos va a dar la película.

La sustancia que hizo volar todo por los aires

La película dura unas dos horas y veinte minutos. Podríamos decir que los primeros cien minutos de The Substance son perfectos en forma y fondo y encajan en la definición (si es que existe) de sátira-gore. Es una gran película, muy buena candidata a los Oscar en varias categorías hasta la escena en la que el personaje de Demi Moore se arrepiente de algo que está haciendo (no quiero entrar demasiado en spoilers) y la directora pierde completamente la cabeza y comienzan 30 minutos de un espectáculo lamentable, lleno de excesos y en el que no pude cerrar la boca ni un solo instante, ya fuese porque no podía dar crédito de lo que estaba viendo o bien porque estaba riendo a carcajadas.

En ese preciso momento de la cinta, comenté en tono jocoso «ahora comienza un combate de karate a muerte» y solo diré que no iba muy desencaminado. Y eso era solo el principio.
Esa última media hora es un manual detallado de como tirar por los aires un gran trabajo, una película que podría aspirar a todo en la gala más famosa del mundo del cine y que prefiere dejarse llevar por la locura y abusar del gore, del absurdo y del peor cine de serie B. Parece el resultado de una noche de sustancias de fiesta en la que alguien dijo «¿a que no hay huevos?» y otro contestó «¿que no? Sujétame el cubata».

En definitiva, pensar en The Substance es recordar casos como Prison Break, que tiene una primera temporada increíble y luego se diluye hasta acabar dando vergüenza ajena.
Esta película lo tenía todo para ser una de las mejores del año y termina siendo una parodia de cine gore y serie B. Pese a todo, Margaret Qualley, Demi Moore y el guión pueden optar a estatuilla. Además, recomiendo verla y que cada uno haga el juego/ejercicio de imaginar qué cierre le habría puesto a la historia.

OJO SPOILER – Yo habría hecho que Sue matase a Elizabeth cuando la despierta y que hubiese ido a la televisión, mientras poco a poco empieza a sangrar y se empieza a deshacer hasta que termina muriendo en directo, marcando un record de audiencia. Al final, el final de los personajes es el mismo, con la diferencia de que yo no estaba borracho cuando lo pensé.

Podría decir que algo similar me ha ocurrido con Joker: Folie à Deux, pero en el sentido opuesto. Una secuela claramente innecesaria, un cambio de género que huele que apesta, pocas semanas en cartelera y uno de los grandes batacazos en ingresos y crítica de la historia reciente. Obviamente, las ganas que tenía de ver la segunda parte del Joker eran casi solo por el morbo y porque no podía creerme que Phoenix y Lady Gaga se embarcaran en este proyecto si no hubiera algo a lo que agarrarse.
Este fin de semana me animé y, aprovechando que ya está disponible en plataformas, salí de dudas con Joker: Folie à Deux

Por partes: Joker: Folie à Deux como película

Creo que es fundamental a la hora de hablar de esta cinta el separar la película como producto único e independiente de su papel como secuela. Porque algo puede funcionar bien en un contexto y ser un disparate fuera de él, o viceversa.
En este caso, quiero pensar que uno de los grandes problemas que ha tenido Joker: Folie à Deux ha sido precisamente ese, el ser la secuela de un gran éxito.

El filme, si lo tomamos como musical (no siendo un género que entienda en exceso ni valore demasiado) es bastante correcto. Los momentos de canciones están bien integrados, tanto Joaquin Phoenix como Lady Gaga están brillantes y la historia, aunque es un poco insulsa si no tenemos en cuenta el trasfondo del personaje del Joker (ahora me explicaré mejor), funciona por si sola.

OJO QUE VOY CON SPOILERS GORDOS

¿Qué falla de manera estrepitosa? El final con el que han elegido cerrar la historia, que ha sido una de las cosas más criticadas por los detractores de la cinta.
Obviamente es muy subjetivo, pero ese apuñalamiento por un personaje aleatorio que interrumpe el que debería haber sido otro desenlace, me ha dejado un sabor amargo. Da la  sensación de que no han sabido/querido mancharse las manos con algo que tuviera una conexión con el resto de la película. Es un cierre anticlimático, similar al sueño de Antonio Resines en Los Serrano.

Hace relativamente poco se hizo viral un video en el que han leído los labios en una conversación entre Phoenix y Lady Gaga en el estreno de Joker: Folie à Deux en el festival de Venecia. Según este video, Joaquin Phoenix no sabía que ese era el final elegido por el director Todd Phillips y no era el acordado entre ellos, ya que se habían rodado tres diferentes para evitar posibles spoilers y filtraciones.

#JoaquinPhoenix no pudo resistirse y le dijo a #LadyGaga sobre lo que pensaba acerca de #Joker 2 enfrente de todos
¿Estás de acuerdo con el? pic.twitter.com/UjyGI3NLFj

— Juanito Say (@JuanitoSay) October 7, 2024

Pero, ¿qué ocurre cuando vemos esta segunda parte como eso, como la secuela de otra obra? Incluso cuando intentamos jugar a leer la mente de Todd Phillips, el director. Ahí la cosa es más complicada.

Joker: Folie à Deux como secuela

El reto con las secuelas es lidiar con las expectativas. Si nos quedamos con el vistazo superficial que puede haber tenido una gran parte del público, todavía nos estamos quitando la sangre de la cara después del tiro en la cabeza con el que se cierra el primer Joker, por lo que ¿a santo de qué se van a poner ahora a cantar? ¿En serio se ha enamorado en la cárcel?
Si nos sumergimos un poco más y quitamos la polémica del musical, podemos encontrar que todo encaja a la perfección.

Toda la historia de este nuevo Joker gira en torno a esa dualidad entre Arthur, el pobre desgraciado que es humillado y maltratado y no consigue realizar sus aspiraciones vitales, y el Joker, ese líder de masas carismático y que es capaz de iniciar una revolución si quisiera (y también sin quererlo).
Este Joker: Folie à Deux se distancia drásticamente del primero al que amaron los fans igual que Arthur quiere distanciarse de su alter ego, cómo se ve en el juicio (quizás la mejor parte de la cinta). Es como si Todd no quisiera seguir ese camino de locura y violencia y lo lleva a un terreno donde refugiarse con la música y el romance para, finalmente, acabar asesinándolo en una clara declaración de intenciones: el Joker no va a volver, reniego de él.

El personaje de Harley Quinn (Lady Gaga) refuerza este enfoque: hacer cualquier cosa, incluso ingresar en prisión, para estar cerca del personaje que me encandiló con su locura, y le dejo de lado cuando el Joker deja de ser él para ser simplemente Arthur.

¿Por qué Joker: Folie à Deux es un musical?

Quizás sea la gran cuestión en torno al Joker. ¿Por qué no hacer una película centrada en el juicio y nos dejamos de complicaciones? ¿Cómo encaja la música en el personaje de Arthur?

Para lo primero, creo que ya ha quedado claro: poner el foco exclusivamente en el juicio habría sido dar a los fans lo que querían, seguir el camino fácil de este personaje, dejarse llevar por la locura del Joker.
Para lo segundo, solo hay que seguir el hilo. En la primera parte, el personaje de Phoenix huye de su realidad intentando refugiarse en la comedia. Él quiere ser un payaso, quiere ser artista, quiere dejar de ser ignorado. Su descenso a la locura le lleva por esos derroteros.

Aquí seguimos descendiendo ese camino, el camino de huída de ser un don nadie. La música le lleva a Harley, que le admira y le hace sentir querido. Y a ello se agarra, como a un clavo ardiendo. Las escenas en las que canta, tanto solo como acompañado de Lady Gaga, se ve un Arthur disfrutón, contento y alejado del Joker. Cantando es alguien sin necesidad de ser Joker.

Esta sería, para mí, la razón argumental. Pero, ¿aparte de eso? Bueno, siendo simples: no había mejor manera de romper con el personaje por parte de Todd y Phoenix que haciendo este triple mortal hacía atrás. Y, si eso no vale, pues lo rematamos al final. Por si las moscas.

Resumiendo la idea general, entiendo que no guste Joker: Folie à Deux y que el público y la crítica se hayan puesto en contra, pero está lejos de ser el desastre que se vende.
Personalmente, me ha entretenido y me ha gustado. Es más, me gustaría hacer pronto una doble sesión con las dos películas seguidas, creo que le daría otra perspectiva diferente a este Joker.

Aún así, ¿es extraña? Como un perro azul. ¿El final podría ser mejor? Sin duda. ¿Es una mala película o secuela? Para nada. Solo hay que dejarse llevar un poco.

Perfect Days, relájate y disfruta

Perfect Days es una historia muy sencilla: sigues la rutina del día a día de un hombrecillo japonés llamado Hirayama. Se despierta con el sonido del barrendero de su calle, se acicala con mimo, cuida de sus pequeñas plantitas, coge un café de la máquina expendedora que hay frente a su puerta, monta en su coche para ir a su trabajo de limpiar los baños públicos de Tokyo, elige la banda sonora para el trayecto en una cinta de cassette, cuando termina la jornada laboral visita un sentō (baños públicos tradicionales japoneses) para estar limpio y, de allí, a cenar a uno de sus lugares de confianza a cenar, para terminar el día leyendo un libro de un dólar hasta quedarse dormido en su futón.
Los fines de semana cambia ligeramente, pero tampoco te voy a contar la vida de Hirayama en detalle, te dejo que descubras una parte de él por tu cuenta.

La cuestión es que, a grandes rasgos, esa es la película. Obviamente hay una pequeña trama, hay más personajes con los que interactúa y hay una cierta evolución, pero personalmente creo que importa más bien poco.
Ver Perfect Days es sentarse en el sofá bajo una manta, una taza de café y tu libro favorito en las manos o el vinilo de tu grupo de música preferido en el tocadiscos. Es ver la tarde lluviosa pasar por la ventana sin nada más que hacer que disfrutar de esa tranquilidad y la paz del momento. Es, en una conexión japonesa, un libro de Murakami: rutina, detalles, ritmo pausado.

Claro, no todo el mundo está dispuesto a esta experiencia durante algo más de dos horas. No todos los días son ideales para el plan propuesto por Perfect Days. Hay días que necesitas a John Wick.
Pero, si encuentras el momento, si necesitas vaciar la cabeza y encontrar orden mental, la película de Wim Wenders es un «diez de diez«.

De esta tenía muy poquitas referencias. Como digo, sé que había pillado algún premio en uno de los festivales de cine y quien era el protagonista, pero poco más. Y me he llevado un par de sorpresas.

El racismo, las voces y los acentos

Uno de mis descubrimientos de este pasado año 2023 fue el podcast No hay negros en el Tibet. Lo descubrí por casualidad, por un pequeño fragmento de video de uno de sus programas que me apareció en mi timeline de Twitter (ahora X). En este video aparecían tres personas negras, los tres presentadores, y uno de ellos, el rapero Frank T, comentaba algo de un anuncio en un periódico en el que decían «se buscan voces negras». A raíz de eso, él comentaba a sus compañeros Asaari Bibang y Lamine Thior como la gente que solo le ha escuchado sin verle se pensaban, por su voz, que era un señor tipo Iñaki Gabilondo y luego, cuando le conocían en persona, se sorprendían. Añadía además que qué coj*nes es una voz negra, que cuál es la diferencia de una voz negra y una voz blanca.
Me llamó mucho la atención ese corte. Busqué el podcast en Spotify y me tragué todos los programas en poco más de un mes.

Ese fragmento, ese pequeño video en Twitter me hizo recordar una película regulera que parte de una gran idea que se llama Sorry to bother you (Perdona que te moleste, en su traducción en España). Esta peli habla de un vendedor telefónico negro, Lakeith Stanfield, que viendo que no vende ni agua en el desierto, decide cambiar su acento natural por un acento de blanco y, así, comienza a vender seguros (o lo que vendiese) como pan caliente.
Sé que es diferente la premisa de la película respecto a lo que comentaban en No hay negros en el Tibet, puesto que en Sorry to bother you se trata únicamente el tema del acento, que en el inglés americano tiene una gran diferencia entre blancos y negros. Nada biológico, simplemente acento. Pero la conexión existe.

En todos los episodios del podcast, he aprendido muchísimo escuchando a su trio protagonista. Hablan mucho de lo distorsionada que está la visión de las personas blancas respecto a lo que tienen que vivir las personas negras en una sociedad blanca en su día a día.
El tema de la voz es un ejemplo claro. El simple hecho de decir «busco una voz negra» a día de hoy me parece surrealista. Como dice especialmente Lamine, me he deconstruido muchísimo y ahora creo que soy capaz de notar este tipo de situaciones.
Siguiendo con las voces, lo comenta en el mismo capítulo Asaari: «yo he llamado para ver un piso y hasta me han dado cita. Luego he llegado allí y ya nada, pero la cita me la dan».

Los blancos hemos «aprendido» que los negros tienen una voz diferente, que el acento que tienen los africanos hablando en castellano es una «voz negra» y no hay nada más distante de la realidad. Sorry to bother you coge ese hilo de los acentos de colores y lo lleva a la comedia más absurda, pero el tinte racista sigue ahí.

La cuestión es, ¿pero esto no va de American Fiction? Efectivamente y sí.

American Fiction y el racismo

Para quien no haya visto American Fiction y ande desubicado, esta nos cuenta la historia de un escritor negro (Jeffrey Wright) que está un poco cansado de que sus trabajos no tengan una gran repercusión, de echo que ni tan siquiera se lo compren las editoriales, mientras que novelas más populistas se lleven todos los focos. Fruto de esta frustración, una noche de whiskey y creatividad decide parir un libro bajo un seudónimo, a modo de broma y crítica, en el que plasma todos los estereotipos existentes de la sociedad afroamericana. Para su sorpresa, a las editoriales les ha flipado el libro y le ofrecen todo lo que pida y más.

Él, lejos de parar su peculiar broma, decide seguirles el juego y caricaturizar a su álter-ego hasta límites insospechados y tensar la cuerda a ver hasta donde están dispuestos a llegar los blancos.

En cierto momento de la película, dice algo así como «el libro (y el autor) tiene todo lo que los blancos quieren de los negros«. Esta fue la frase que me hizo cambiar el chip con el que estaba viendo American Fiction. Ese fue el punto en el que Jeffrey Wright se entrelazó en mi cabeza con Lakeith Stanfield y el trío de No hay negros en el Tíbet.

La candidata al Óscar es la versión tragicómica y, porque no decirlo, bien hecha de Sorry to bother you. Coge el argumento de «lo que los blancos esperan/creen saber de los negros» y lo lleva a una crítica fantástica que no tiene desperdicio.
Estoy seguro de que Frank, Asaari y Lamine le dedicarán mucho tiempo a esta cinta porque es un resumen de dos horas de lo que ellos llevan hablando tres temporadas: lo que el blanco piensa no tiene porque ser realista, es más, probablemente sea bastante racista.

La película de Jeffrey Wright corre el peligro de quedarse en la superficie más cómica de la situación (las llamadas con la editorial son realmente cómicas), pero el trasfondo crítico y social es evidente y da para reflexionar mucho. Al igual que nos hemos acostumbrado a que la expresión «una voz negra» pase como algo normal, estamos habituados a mil estereotipos de los afroamericanos que Hollywood nos ha metido con calzador en todas sus películas y que, si no vemos eso a lo que estamos acostumbrados, no nos parece realista. Y nosotros, desde nuestra perspectiva blanca, lo calificamos como irreal, demasiado inventado y mil calificativos más que solo son correctos desde nuestro prisma, pero nos olvidamos de que la realidad negra puede ser muy diferente a la nuestra y que el cine es solo cine. A veces reflejo de una realidad, a veces puramente ficticio.

Si bien medio-citaba antes la frase que me hizo cambiar el chip, la que definitivamente hizo que se me cayesen los huevos al suelo me diera la risa nerviosa, a medio camino entre qué maravilla y qué vergüenza ajena, y con la que quiero cerrar este texto, es una escena en la que se plantea que hay que tomar una decisión por votación entre unos personajes blancos y negros. Cuando se llega a la conclusión de que los blancos se llevan el gato al agua, puesto que son mayoría respecto a los afroamericanos que votan, uno de los ganadores dice la frase que, tomándola con ironía, define toda la película: «En este momento es crucial escuchar las voces negras».

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En esencia, y siendo algo totalmente muy personal, los dos productos me parecen obras maestras en sus respectivos sectores pero que, pese a tener buenos resultados de ventas/taquilla, han sido muy criticados, con reseñas muy negativas, y no sin razón. Sí, obras maestras con críticas negativas que tienen razón, sé que es contradictorio.
El problema con Avatar (las dos partes) y con Death Stranding son las expectativas.

Death Stranding hizo camino al andar

Con el título de Kojima las críticas se centraban en resaltar que se trataba de un juego de caminar, de un simulador de Glovo y comentarios similares. Y es verdad. Cargas al personaje, vas del punto A al B, sobrevives a los pocos peligros que haya en el camino (más allá del camino en sí) y vuelta a empezar. La cuestión es que el de Death Stranding será el mejor paseo que vayas a dar en tu vida dentro de un videojuego. Esos paisajes, con la maravillosa banda sonora, la preparación del equipaje, la tranquilidad de la ruta preocupándote únicamente de que no se desequilibre el personaje… Es fantástico. Y estoy omitiendo la historia, que también me parece una delicia.
Pero tienes que saber que vienes a eso. Únicamente a eso. Que esto no va de pegar tiros (aunque los haya), ni de sobrevivir a un enemigo (que también), ni del desafío de un enfrentamiento contra un jefe final. No. Eso es completamente secundario. Y si no entiendes eso antes, durante o cuando salen los créditos finales, serás un crítico más y habrás perdido la ocasión de disfrutar de algo único.

Avatar y el mundo de Pandora

Y en el mismo punto estamos con Avatar. En este caso, siempre se han cebado en que la historia de James Cameron tenía una historia muy manida, que no había profundidad de personajes, que si guión, que si esto o lo otro. Pero es que la película no va de eso. Que tiene que cumplir unos mínimos, sí, y los cumple (otro día hablamos de Avatar y el budismo, por ejemplo).
La cuestión es que esto va de vivir Pandora, de disfrutar de todo un planeta creado para la ocasión, de descubrir criaturas fantásticas salidas de la imaginación de algunas persona en el estudio, de alucinar pensando como habrán hecho todo ese mundo con toda esa flora y esos habitantes azulados.

Hay que dejarse llevar y disfrutar del espectáculo visual, de lo que la tecnología y la creatividad del director nos han puesto delante de los ojos. Es un tipo de cine para dejarse maravillar y no sabiendo de antemano lo que vamos a criticar.

Y ahí es donde las dos obras se dan la mano: si se abre la mente se podrá disfrutar mucho más de dos trabajos que, aunque pueda sonar arriesgado, marcan un antes y un después cada uno en su industria. Y si no, está bien también, tienes motivo de sobra para criticarlas, pero estás perdiendo una ocasión fantástica para pasar un buen rato.

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Beyond the infinite two minutes, exprimiendo los loops temporales

Beyond the infinite two minutes (Más allá de los dos minutos infinitos en España) es una maravilla en todos los aspectos. Para situarnos un poco, se trata de la ópera prima de Junta Yamaguchi, un director japonés al que habrá que seguir de cerca a ver con qué nos sorprende en el futuro. En ella nos plantean una premisa un tanto absurda: el protagonista, desde su ordenador, es capaz de ver dos minutos en el futuro a través de otra pantalla que hay en la cafetería debajo de su casa.
Pues bien, con algo tan simple como esto, Yamaguchi y Makoto Ueda (guionista) han creado una película de culto internacional, montando una historia, comprimida en tan solo setenta minutos, divertida y construida prácticamente sin ninguna fisura. Los bucles temporales que se crean empiezan como algo inocente y casi infantil, para ir desarrollando una trama relativamente compleja y con un trasfondo filosófico bastante importante.

Y, aunque a simple vista pueda parecer algo experimental y casi en algunos momentos amateur (los actores son histriónicos y exagerados como solo los países asiáticos saben hacerlo, pero hablamos de una pequeña compañía de teatro que realizó el rodaje en «solo» 7 días), la verdad es que detrás hay varios aspectos técnicos muy interesantes.
El primero de todos, como comentaba, es el guión. Quitando el tema de la longitud de los cables (cuando veáis avanzar la película lo entenderéis), todo encaja como un guante. Los tiempos están cronometrados, el bucle temporal está perfectamente montado y medido, las explicaciones (siempre absurdas) te sitúan muy bien en tu línea temporal… Es difícil, cuando se habla de espacio-tiempo, no meter la pata y salir por donde no toca, pero en este caso lo vemos incluso en las escenas post-créditos que tienen todo bajo control con gráficos y multitud de esquemas.
Otra de las cosas que siempre me gusta en estos guiones es lo que en cine/escritura se llama la pistola de Cechov. Este escritor, Anton Cechov, decía que si en una historia aparecía una pistola, esta tenía que usarse en algún momento (en el cine, simplemente cambiemos historia por plano). Y el director japonés hace uso de esta técnica tan famosa de una manera, como siempre, particular. De cierta manera, me recordó a Black Phone.

Otro de los aspectos que siempre quedan muy resultones y que hace que gane puntos, es el uso del plano secuencia. Y aquí tengo mis dudas, porque viendo Beyond the infinite two minutes pensaba que se trataría de un falso plano secuencia, pero haciendo un poco de búsqueda a posteriori parece ser que falso mis cojones de falso no tiene nada y está todo grabado en una única toma, aunque las versiones son contradictorias. En cualquier caso, el resultado es fantástico, aunque me quede la duda de ¿cómo hacen los videos en las pantallas? Supongo que croma, lectura de guión como referencia para los diálogos y a montarlo todo después en postproducción. Gran trabajo, sea plano secuencia real o falseado.

Y más mérito todavía si tenemos en cuenta lo último que quería comentar de la película japonesa: se ha grabado con un móvil. Ok, pongámonos técnicos, no es 100% correcto puesto que no todo ha sido con un smartphone. Pero mejor todavía: lo que no se grabó con el teléfono se ha grabado con una pequeña cámara que llevaban pegada al teléfono.
Sé que esto no hace a la película mejor ni peor en cuanto a calidad final, pero habla un poco más de las particularidades de esta pequeña joya del cine nipón y, a mi parecer, realzan el trabajo hecho detrás de las cámaras por el director novel y la compañía teatral. Es que lo escribo y me sigue sonando a coña, de verdad.

En definitiva, Beyond the infinite two minutes es una pequeña-gran maravilla del cine japonés que fácilmente habrá pasado bastante desapercibida pero que, en sólo 70 minutos, crea todo un universo de loops temporales digno de ser recordado y que, desde hoy, nunca me cansaré de recomendar, puesto que se ha convertido en una película de culto.

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La americana se centra en un grupo de ladrones y su conexión con la reciente explosión de un barco. La italiana, en un grupo de ventiañeros en los años setenta en la ciudad de Bolonia.
Dos grandes películas a priori muy diferentes, pero en el fondo tiene dos o tres similitudes que me hacen compararlas en la lejanía.

Esperar merece la pena

El primer momento en el que me paré a pensar en las similitudes entre las dos películas fue a la media hora de empezar a ver Radiofreccia. Me parecía un auténtico bodrio. Un sinsentido de escenas con varios personajes en el que no entendía nada. Todo muy aleatorio, sin presentación de los personajes, comportamientos completamente azarosos…
Algo similar a The usual suspects. La primera parte no es un galimatías como en la película italiana, pero me resultó muy confusa. No sé si fue porque me pilló desconcentrado, pero no tenía claro de qué personaje se habla en cada momento y el empezar hablando del presente y del pasado casi al mismo tiempo se me hizo bola. No entré con buen pie.

Por fortuna, no me dejé llevar al mundo de los sueños abrazado por la comodidad del sofá y continué viendo las dos películas. Obviamente, gran decisión. Las dos van en un continúo increscendo, van madurando y mejorando con el paso de los minutos hasta que, cuando llegan los créditos finales, el gusto que deja es fantástico.

Son dos desarrollos y cierres muy diferentes. En uno, Kevin Spacey comienza a caminar con paso firme, sin arrastrar su pie izquierdo y se monta en el coche conducido por Kobayashi sabiéndose libre y firmando un giro de guión que se huele a lo lejos pero que, gracias a una dirección un poco tramposa (o quizás no tanto; simplemente somos como el agente de policía y hemos visto la historia que Verbal ha querido que viésemos), sigue siendo una sorpresa.
En el otro, no hay giro de guión, sólo hay una trama maravillosa. Una construcción de todos los personajes muy lenta, casi aleatoria, pero que te atrae y te hace sentir cercanos a cada uno de los habitantes de este pueblo italiano y que hace que sientas compasión por Freccia y un nudo en el estómago cuando todos los personajes desfilan detrás de su coche fúnebre al ritmo de Can’t Help Falling in Love de Elvis (lo acertado de la canción da para una entrada aparte).

Son dos comienzos torpes, atropellados y confusos, pero que no restan al resultado final: solo premian al espectador paciente retrasando ligeramente la excelencia de sus metrajes.

El nacimiento de dos estrellas

Seamos serios: es absurdo comparar la carrera de Kevin Spacey, uno de los protagonistas de The usual suspects y ganador de dos Oscar (uno por este trabajo) con la de Stefano Accorsi, Freccia en Radiofreccia, gran actor y actor de doblaje, pero prácticamente desconocido fuera de Italia. Pero, al igual que las dos películas son diferentes y comparten algunas similitudes, lo que supone en sus carreras el trabajo de ambos en estos títulos, también tienen puntos en común.

Spacey ya tenía una decena de trabajos en su curriculum entre cine y televisión, aunque ninguno reseñable o que haya soportado bien el paso del tiempo. Algo parecido a Accorsi, varios trabajos de cine pero ninguno que hubiese supuesto un impulso a su carrera.
Como decíamos, ambos son los protagonistas de los dos largometrajes (aunque el Oscar del americano se lo otorgaron por actor de reparto), aunque tienen que compartir el peso de la trama con diferentes personajes durante todo el largometraje.
Y los dos se comen la pantalla, eclipsan al resto del reparto (bueno, es una afirmación injusta con Chazz Palminteri)  y brillan por encima de los demás con una actuaciones soberbias. Cargan con todo el peso de la obra y son las piedras angulares sobre las que se cimientan las películas. Sí, las historias son geniales y el guión casi se sostiene por si solo; pero sin el carisma y el buen hacer de los dos actores, creo que hubiera sido todo muy diferente.

Lo que supuso para Kevin Spacey el haber interpretado a Roger Kint creo que es de sobra conocido por todos: la ya mencionada estatuilla, otra por su papel en American Beauty y una lista de trabajos que lo sitúan (o situaban, vista su actual situación) como uno de los mejores actores de Hollywood.
La vida de Stefano seguramente sea más desconocida para la mayoría, pero a día de hoy es uno de los actores más populares del país. Personalmente, creo que no es un gran actor ya que no tiene muchos más registros que el visto en Radiofreccia (siempre el mismo papel adaptado a la edad que va teniendo), pero después de catapultarse a la fama hizo otras grandes películas como Romanzo criminale (para mi, la mejor película de la mafia italiana), Veloce come il vento o La dea fortuna. También ha sido reconocido con un David de Donatello por su papel de Ivan «Freccia», otro años después por Veloce come il vento, un Globo de Oro y múltiples nominaciones a varios premios más.

En resumen, The usual suspects y Radiofreccia son dos películas en dimensiones completamente diferentes, pero ambas, nacidas en la misma época, se han convertido en cine de culto, comparten finas líneas en su estructura y sirvieron de trampolín para dos actores que supieron aprovechar la ocasión y se lanzaron al estrellato gracias a dos papeles que les cambió la vida para siempre.

Después de la última película que vimos suya (Bird Box), también en un trabajo para Netflix, la verdad que le tenía bastantes esperanzas a la que estábamos por comenzar, pero nos dimos rápido cuenta de que no iban a ir por ahí los tiros.

Para no crear una incertidumbre innecesaria, empiezo por el final: dos personas dormidas en un sofá que se despiertan con los créditos finales de una película que han abandonado a la mitad (tristemente, cosa relativamente habitual) pero qué, a diferencia de otras ocasiones, esta vez saben que no retomarán donde lo dejaron para terminar el visionado porque les importa tres pimientos.

Y es una lástima, porque el filme tiene buenas ideas y cosas interesantes. Crean una tensión relativamente buena con el pasado de la protagonista, le van construyendo un futuro con un perturbado que le acecha a la vuelta de la esquina… Pero no conseguí tener ni un mínimo de interés en cómo iba a acabar todo porque Sandra Bullock está horrible.

Quizás sea solamente cosa mía, pero no puedo con los personajes / actores que su rol principal es poner mirada intensa, de tipo duro, de tener a sus espaldas únicamente un pasado de mierda y vagar por la historia haciendo únicamente eso. Sin nada que decir, solo perdonándote la vida con los ojos. No puedo. Es superior a mí.

Así que, cuando me cansé de ver a la actriz en ese rol, me dejé arrastrar a los brazos de Morfeo, sin arrepentimiento ni curiosidad de porqué se ventiló al Sheriff del condado o de como sería el reencuentro con la hermana, únicamente deseando tener una mejor idea para una noche de cine en casa la próxima vez.